29 de agosto de 2010

Exclusive Interview with Billy Anderson, producer & engine-ear

Billy Anderson, ese tatuado de rastas pelirrojas que grabó y produjo discos para algunas de las mejores bandas de los 90's y 00's, ayudando a crear a su vez algunos de los mejores discos de dichas bandas (Disco Volante, Jerusalem, Through Silver in Blood, Sore, Dopesick son algunos de ellos). Un tipo que hoy en día es un símbolo y modelo a seguir por cualquiera que quiera hacer música pesada y moderna que se precie como tal. Ese que ha recorrido el mundo y vivido en lugares impensados (incluyendo nuestro propio país). Ese pelilargo que toca en Blessing the Hogs y Men of Porn...
Si no lo conocés sería mejor sacar tu cabeza del agujero en el piso en el que está y pegarle un tiro para terminar con tu agonía.

Zann: I look at your work as a producer and it is hard to know where to begin. Almost all the coolest bands around the globe and the greatest labels from the bay area are part of your catalog! So let me start from somewhere. What do you think is the most distinctive aspect about your productions?

Billy Anderson: Hmmm, that's a tough one. I have always tried to capture the real, live essence of the band in the studio. Sometimes I succeed, others not. I also try to inspire epic performances by making the band as relaxed and motivated as possible. When a band forgets about being in the studio and all the technical stuff, they will play more naturally and the music will speak THROUGH them as opposed to being "forced" or "contrived"... I can certainly hear these things in a recording and I assume that others can at least PERCEIVE them if not hear them as well. If I succeed at doing any of this, then maybe that's what makes recordings I do "distinctive"...

Zann: Do you think that the job producers do are often overlooked by the public?

B.A.: Sometimes. People generally don't look at the credits or care how the record was made. The average person that listens to music doesn't really understand how albums are made and don't understand what producers even do. So yes, it does get overlooked, at least by the general public. As far as musicians go, producing is sort of a catch-22 situation. When the album is awesome and everyone likes it, even musicians tend toward crediting the band with recording a great album. When the album isn't well-received or liked-then it's the producer's fault. A no-win situation. This only happens sometimes, but it sucks when it does happen. I would say in general, I have been very lucky with being noticed and credited along with the band as a producer.

Zann: It is very common here in Argentina that musicians and producers don’t get paid until they become more or less well known. What was your experience when you started playing and recording in terms of economy?

B.A.: Producers and musicians get paid there? hahaha! I have actually been very fortunate--I have been able to make a living as a producer for almost 20 years. I haven't bought a mansion or a world-class studio; I'm not driving a Frerrari or anything. Times can be tough; it's feast or famine sometimes. But I feel lucky to be able to do this and (usually) make enough to survive. Sometimes I even have some extra spending money. ;) As a musician, things are tougher. It’s a lot harder to make enough money to live as a musician.

Billy Anderson, productor y máquina-oído

Zann: You’ve been living around the globe in the last few years, Argentina and I heard also moved or were planning to move to Scandinavia. Can you tell me your impression of living outside the US?

B.A.: It Makes me appreciate what it's like to live in the US. It also makes me feel like a spoiled, privileged creature of American convenience. The US is great; there are so many things that make it an amazing place to live. But life in, say, Argentina - can be tough for some people. Living there made me value and realize how easy things are here. In Scandinavia, the way of living is so simple and efficient. They don't have gigantic refrigerators and cars and people aren't fat and lazy. It’s well planned, designed and sometimes I feel like the "ugly American" when I am there. But all in all-I guess you don't really know what you have until you're away from it.

Billy consagrando a los cerdos

Zann: Of the many records you’ve produced and engineered, there are three that I always wanted to ask about. I am sure everybody has already asked millions of time this but, I am sorry, I am also a fan and I can’t waste this opportunity:

Zann: How did you manage to translate to sound the immensity and intensity of Neurosis music in "Through Silver in Blood"?

B.A.: It translated itself. We were just there to be a conductor for the music. It moved through the band and me onto tape and into your ears. That’s how I feel about it. It is an amazingly spirited recording. There were some technical things we did to achieve some of the unique sounds-we recorded in a giant brick room and used a lot of room micas for ambience, even got a huge PA and ran a lot of things back into the room. But I truly feel that the songs on that album were guided at the time by a larger hand that the humans that were involved in making it...

Zann: I talked to Matt Pike once about "Jerusalem" and he told me vaguely about the recording techniques in that album and I always wanted to know some more details about it. For example: How did you record continuously for more than an hour when tapes cannot last for that long? Matt also talked about strange locations for mics for the recording. Can you elaborate a bit on that?

B.A.: We didn't record continuously. The tapes and machine I used allowed for 17 minutes of recording at a time. So we would record a reel till it was full, then out a new reel on, start the band playing from the part before where they had ended the last reel, and keep playing. It was tricky, because within each 17 minute reel, there would be mistakes, stopping, razor edits and punch-ins. But even after the reels were each full and fixed and edited and sliced apart, it still had to be recorded-AND MIXED- in 17-minute chunks. The assembly wasn't done until AFTER the final mix. That's the only time the album entered the digital realm at all-was to assemble the mixed pieces into one cohesive album. And even after that, it was edited two or three times. We cut out about 10 minutes for one version, and as a semi-joke to the label, I assembled a 5-minute "radio edit"... haha

Zann: What was your participation in Swan’s "Soundtracks for the Blind"?

B.A.: The Swans were on tour and were going to be stopping in San Francisco for a few days. Their management, Rave Booking, was based there. They decided they wanted to record with the current lineup-a couple of which were from SF. I was friends with and had worked with Rave a lot-Neurosis, 7 Year Bitch, etc--and Kevin at Rave called me and asked if I would be into doing some studio stuff with the Swans for a few days while they were in town. I was like "Hell yeah!! I’ve loved them since I was a kid" zoo... We did I think 4 or 5 days at Coast Recorders in San Francisco. There were some songs that were written already, a couple of noise-scapes and some jamming. Michael eventually took the recordings we did together and assembled, sliced and cut them into pieces that ended up on at least two albums...

Zann: Are Buzzov-En and Eyehategod so dangerous and chaotic as the legend suggests?

B.A.: More. Not so much "dangerous" except to themselves. haha. All those guys are really awesome dudes, but a couple who shall remain nameless and obvious, went through some tough times and it manifested itself as violence, fighting, self-destructive behavior, etc etc at certain times. We all had issues back then. Some of us are lucky to be alive and the ones who are no longer with us lived full and amazing lives...

Zann: Do you have any interesting story to tell from working with those guys?

B.A.: Too many. Must take a vow of semi-silence to protect the innocent and unaware. Court cases are still pending... hahaha...

Billy y los hombres del porno (con Tim Moss y Dale Crover)

Zann: Which records from the ones you worked on are you particularly proud of?

B.A.: At the same time I am proud of all of them and the ones that haven't been made yet. Of course there are a few standouts-the ones that took the most time and energy, brain-crippling hours and pressure can make you proud to survive some albums. I am also proud of the ones that were completely effortless and flowed on their own without struggle. Mostly, I am proud that I get to work with my favorite bands and people--for 20+ years and still going strong.

Zann: Thanks a lot for taking the time to answer, this is as close as having the pleasure to meet you I will probably ever get, so I am utterly satisfied.

Entrevista exclusiva cojn Billy Anderson, productor y máquina-oido

Zann: Vi tu trabajo como productor y es dificil saber por donde empezar. Casi todas las bandas mas cool del mundo y los sellos más grandes del area de la bahía son parte de tu catálogo! Así que dejame empezar por algún lugar. ¿Cuál creÉs que es el aspecto que más te distingue en tus producciones?

Billy Anderson: Hmmm, es una pregunta difícil. Siempre trata de capturar la esencia viva y real de la banda en un estudio. A veces tuve éxito y otras no. También trato de inspirar performances epicas haciendo que la banda este lo más relajada y motivada posible. Cuando una banda se olvida de que está en un estudio y de todas las cosas técnicas, van a tocar naturalmente y la música va a hablar A TRAVÉS de ellos, contrariamente lo que pasa cuando son "forzados" o es algo "artificial"... Ciertamente puedo escuchar estas cosas en una grabación y asumo que otros pueden al menos PERCIBIRLAS al menos si no pueden escucharlas tan bien. Si tengo éxito haciendo estas cosas, entonces probablemente sea lo que haga mis discos más "distintivos"...

Zann: Pensas que el trabajo que hacen los productores es pasado por alto por el público general?

B.A.: A veces. La gente generalmente no mira a los créditos ni se preocupa sobre como el disco fue hecho. La persona promedio que escucha música no entiende realmente como son hechos los discos y no entiende siquiera lo que hacen los productores. Así que la respuestas es sí, la producción es pasada por alto, al menos por el público general. A medida que los musicos graban, la producción se vuelve una especie de situación "Catch-22" (N. del Ed: Una novela sobre un piloto que  intenta pasarse por loco para escapar de la guerra, y la jugada sale mal porque los locos son destinados a los bombarderos. En sí quiere decir que es una situación donde no hay salida). Cuando el disco esta buenísimo y a todo el mundo le gusta, los músicos tienden a quedarse con los créditos por haber grabado un gran disco. Cuando el disco no es bien recibido o no gusta entonces la culpa es del productor. Es una situación donde no se gana nunca. Esto pasa a veces, pero apesta cuando sucede. Diría que en general fui muy afortunado siendo nombrado junto a la banda en los créditos como productor.

Zann: Es muy común aquí en Argentina que a los músicos y productores no se les pague hasta que se vuelvan más o menos conocidos. ¿Cuál fue tu experiencia cuando empezaste a grabar y a tocar en términos económicos?

B.A.: ¿Les pagan a los productores y músicos ahí? Hahaha! (N. del Ed: la tiene clara). Realmente fui muy afortunado. Pude vivir como productor al menos por 20 años. No compré una mansion o un estudio de última generación; tampoco estoy manejando una Ferrari o nada. Los tiempos pueden ser duros, a veces son de abundancia o de escasez. Pero me siento afortunado de hacer esto y (por lo general) hacer lo suficiente para sobrevivir. A veces me queda una plata extra para gastar ;) Como músico, las cosas son más duras. Es mucho más difícil hacer suficiente plata para vivir como músico.

Zann: Estuviste viviendo por el mundo estos años, Argentina y también escuche que te mudaste o planeabas mudarte a Escandinavia. ¿Podrías contarme que te pareció vivir afuera de los Estados Unidos?

B.A.: Me hace apreciar como es vivir en los Estados Unidos. También me hace sentir como una criatura mimada y privilegiada de la comodidad americana. Los Estados Unidos estan buenos, hay muchas cosas que los hacen un lugar alucinante donde vivir. Pero la vida en por ejemplo, Argentina, puede ser dura para algunas personas. Vivir allá me me hizo valorar y darme cuenta que fáciles son las cosas aquí. En Escandinavia en cambio, la manera de vivir es muy simple y eficiente. No tienen refrigeradores gigantes y autos gigantes y la gente no es gorda y vaga. Esta todo bien planeado y diseñado y a veces me siento como el "feo americano" cuando estoy allí. Por sobre todo nunca te das cuenta de lo que tenés hasta que estas lejos de allí.

Jerusalem de Sleep, disco que sería reeditado luego de la separación de la banda bajo el nombre de Dopesmoker

Zann: De los muchos discos que  grabaste y masterizaste hay 3 de los cuales siempre quise preguntar. Estoy seguro que todos te preguntaron esto un millon de veces así que disculpame, pero también soy un fan y no puedo desperdiciar esta oportunidad.
Zann: ¿Como hiciste para trasladar al sonido la inmensidad e intensidad de la música de Neurosis en "Through Silver in Blood"?

B.A.: Se traslado por si misma. Estabamos allí para ser conductores de la música. Se movió a través de la banda y de mi hacia la grabación y hasta adentro de nuestros oídos. Así es como me sentí sobre eso. Fue una grabación increíblemente espiritual. Hubo algunas cosas técnicas que hicismo para alcanzar algunos de los sonidos únicos. Grabamos en una sala gigante de ladrillo y usamos un monton de micrófonos en la sala para capturar el ambiente, trajimos un pre amplificador gigante y probamos un montón de cosas dentro de la sala. Pero verdaderamente creo que las canciones de ese disco eran guiadas en esa época por una mano más grande que la de los humanos que estaban involucrados haciendolas...

Through Silver in Blood de Neurosis

Zann: Hablé con Matt Pike una vez sobre "Jerusalem" y me dijo poco sobre las técnicas de grabación de ese disco. Siempre quise saber más detalles sobre ello. Por ejemplo: ¿Cómo grabaron continuamente por más de una hora cuando los tapes no pueden durar tanto? Matt también contó sobre lugares extraños para los micrófonos en esa grabación. ¿Podrías contarme un poco más sobre eso?

B.A.: No grabamos continuamente. Los tapes y la máquina nos permitían solo 17 minutos de grabación. Así que grabamos hasta que la cinta estuviera llena y después pasabamos a otra cinta, la banda empezaba a tocar por la parte donde había quedado la última cinta, ellos seguían tocando. Fue truculento, porque dentro de cada 17 minutos de cinta había errores, se paraba, había que cortar la cinta para editar y pegar otras partes. Pero incluso después de que las cintas  estaban llenas, arregladas, editadas y recortadas, todavía tenía que ser grabado Y MEZCLADO en tramos de 17 minutos. El armado no se terminó hasta DESPUÉS de la mezcla final. Esa fue la única vez que el disco entró en el reino digital, para armar las piezas mezcladas en un disco cohesivo. E incluso después de eso fue editado dos o tres veces más. Cortamos 10 minutos para una version y como una semi broma para el sello armamos un "radio edit" de 5 minutos... Haha

Zann: Cuál fue tu participación en "Soundtracks for the Blind" de Swans?

B.A.: Los Swans estaban de gira e iban a parar en San Francisco por algunos días. Su Management, Rave Booking tenía su sede allí. Decidieron que querían hacer un disco con el line up actual, un par de ellos eran de San Francisco. Eramos amigos y había trabajado con Rave un montón: Neurosis, 7 Year Bitch, etc—y Kevin y Rave me llamaron y me preguntaron si quería hacer algunas cosas de estudio con los Swans por algunos días mientras estuvieran en la ciudad. Estaba algo así como diciendo "Vamos carajo!" Los amaba desde que era un niño... Hicimos creo que 4 o 5 días en Coast Recorders en San Francisco. Había algunas canciones que ya estaban escritas, un par de ruidos ambientales y algo de zapadas. Michael (Gira) tomó las grabaciones que hicimos juntos y las armó, dividió y cortó en piezas que terminaron en al menos dos discos.

Zann: ¿Son Buzzov-en y Eyehategod tan peligrosos y caóticos como las leyendas sugieren?

B.A.: Más aún. No son tan "peligrosos" excepto para si mismos haha. Todos esos chabones eran tipos realmente copados, pero un par de los que no voy a dar el nombre por lo obvio, se ponían duros a veces y se manifestaban con un comportamiento violento, peleador, auto destructivo, etc. etc. en algunas ocasiones. Todos teníamos problemas en ese entonces. Algunos de nosotros tuvimos la suerte de estar vivos y aquellos que no están más con nosotros vivieron vidas plenas y alucinantes...

Zann: ¿Tenés alguna historia interesante para contarnos sobre lo que fue trabajar con estos tipos?
B.A.: Demasiadas. Tengo que hacer un voto de semi-silencio para proteger a los inocentes e ignorantes. Todavía hay casos en la corte pendientes... hahaha...

La banda REALMENTE mas peligrosa del mundo

Zann: ¿Con cuál de los discos en los que trabajaste estas particularmente orgulloso?
B.A.: Estoy orgulloso al mismo tiempo de los que hice y de los que no he hecho. Por supuesto que hay unos pocos sobresalientes –aquellos que tomo mayor tiempo, energía, horas de agotamiento cerebral y presión, para poder estar orgulloso de sobrevivir a esos discos. También estoy orgulloso de aquellos que salieron sin esfuerzo y fluyeron por si mismos sin luchar. Es más, estoy orgulloso de que trabajo con mis bandas y mi gente favorita por más de 20 años, y me sigo fortaleciendo.

Zann:: Muchas gracias por tomarte el tiempo para responder, esto es casi tan cercano a tener el placer de conocerte así que estoy extremadamente satisfecho.

For more information abut Billy check out his website and his amazing discography:

27 de agosto de 2010

Today Is The Day

25 de agosto de 2010


Por Fernando Suarez.

-Bastard Noise “A culture of monsters” (2010)
Como dijera Darth Vader alguna vez, el círculo está ahora completo. Si algo le faltaba al revival del Powerviolence era el retorno de Man Is The Bastard, no sólo banda pilar del género (de ellos surge, de hecho, la denominación) si no también aquella que siempre se encargó de empujar sus límites hacia nuevas alturas de creatividad y delirio. Por supuesto, no se puede hablar de una reunión en regla, en definitiva Eric Wood (cantante, bajista y eterno líder ideológico de este conglomerado) y compañía decidieron mantener el nombre de Bastard Noise, aquel que emplearan desde 1991, aún cuando, con el retorno del baterista Joel Connell, la propuesta dejara de lado la pura abstracción ruidosa que desplegara en todos estos años en pos de una vuelta a ese particular sonido que hizo de Man Is The Bastard uno de los nombres más relevantes de la música extrema en general. El puntapié inicial fue el Split con The Endless Blockade (una de las bandas más destacadas de la nueva generación Powerviolence) y aquí tenemos finalmente el larga duración que todos estábamos esperando. Y lo mejor es que, con siete temas desperdigados en treinta y siete minutos y medio, estos veteranos californianos se mantienen fieles al espíritu siempre inquieto de Man Is The Bastard, moviéndose hacia adelante y proponiendo ideas frescas antes que regodeándose en el glorioso pasado. O sea, no esperen aquí una mera repetición de clásicos, aquí hay mucho más que eso. Por un lado, la experimentación con sus propios generadores de ruido sigue allí, aportando sonidos y texturas irreales, sólo que esta vez sirven como condimento en vez de estar al frente. Por otro lado, el costado Progresivo que siempre se asomó en Man Is The Bastard (y en algunos de los grupos que surgieron de su disolución, como Cyclops y Lux Nova Umbra Est) aquí se ve amplificado y manejado con una maestría y una imaginación sencillamente superlativas. No es difícil, entonces, toparnos con un relajado pasaje de pura cepa Jazzera (en “Lumberton”) atrapado entre arranques de epilepsia o con una breve composición melódica de piano Rhodes y voz (la melancólica “If another world…”) o con laberínticas construcciones que superan los nueve minutos de duración (“Me and Hitler”, candidato a mejor título del año, y el final con “Interior war”) y mantienen ese perfecto equilibrio entre extremismo, delirio, crudeza y virtuosismo. Claro, no faltan los elementos que definen el sonido del grupo, allí están los gruñidos y alaridos varios de Wood y su bajo autoritario, podrido e intrincado (tengan en cuenta que, ante la ausencia de guitarra, es él el encargado de generar riffs que, por cierto, pondrían verde de envidia a cualquier aspirante a Robert Fripp que se precie de tal, aún cuando siempre mantienen ese filo de absoluta visceralidad Hardcorosa), los ritmos entre frenéticos, aplastantes, dinámicos, espontáneos y contagiosos (la labor de Connell también se lleva sus laureles en lo que hace a conjugar virtuosismo y potencia), los ruidos desorbitados (a veces más abrasivos, a veces con una impronta más bien psicodélica) que inundan cada resquicio sonoro y le dan una nueva dimensión a las composiciones, y toda esa misantropía que es casi la columna vertebral de su propuesta. En fin, no importa demasiado si estamos en presencia de un regreso con todas las letras o no, la música contenida en este genial “A culture of monsters” trasciende ese tipo de cuestiones y propone nuevos estímulos para la mente, el alma y el cuerpo. No son cualidades como para andar despreciando.

-Blonde Redhead “Penny sparkle” (2010)
Toman su nombre de un tema de DNA (pioneros de la No-Wave neoyorquina liderados por Arto Lindsay y también inspiradores para Naked City, según palabras del propio John Zorn), su primer disco homónimo fue producido y editado (en 1995) por Steve Shelley (baterista de Sonic Youth y, más recientemente de los geniales The High Confessions), en su tercer disco (“Fake can be just as good”, de 1997) contaron con la asistencia de Vern Rumsey (de Unwound) en el rol de bajista y en los tres discos posteriores a ese la producción corrió por cuenta de Guy Picciotto de Fugazi. Pero no sólo de amigos cool vive este trío conformado por dos hermanos (Simone y Amadeo pace, baterista y guitarrista respectivamente) nacidos en Italia, criados en Montreal y luego radicados en New York, y una estudiante de arte japonesa (Kazu Makino) devenida en guitarrista, tecladista y personalísima cantante. También tienen historias para contar, como la del grave accidente ecuestre sufrido por Makino en 2002, que inspiró gran parte del contenido de “Misery is a butterfly” (2004), un disco de inflexión para Blonde Redhead, donde el Noise-Rock surrealista de antaño daba paso a climas mucho más oscuros, ayudados por un vasto arsenal electrónico y un profundidad casi sinfónica. En 2007 vería la luz “23”, donde recuperaban algo de su impronta guitarrera sin perder de vista esa nueva dirección más refinada, y ahora tenemos a “Penny sparkle” para seguir deleitándonos. Lo primero que salta al oído es el claro predominio de elementos electrónicos, aquí empleados de forma más abierta y desprejuiciada aún que en el mencionado “Misery is a butterfly”. Ojo, las guitarras siguen estando ahí, sólo que ahora no llevan la batuta de las composiciones, sino que más bien las embellecen con cuidadas texturas y atinadísimos acordes y arpegios. La atmósfera general de la placa es absolutamente sombría y embotadora, casi como una suerte de Trip-Hop psicótico, plagado de detalles y arreglos que entran y salen constantemente conformando una pintura del alma humana tan hermosa como grotesca. Claro, como siempre, gran parte del mérito corresponde a la inigualable voz de Makino (quien fuera varias veces comparada con Björk, comparación que sólo sería válida si Makino fuera una enana oligofrénica irritante con más pose freak que talento real), capaz ella sola de envolvernos en sus sinuosas melodías y acariciarnos sensualmente mientras nos arranca el corazón con sus propias manos y se regodea en el baño de sangre subsiguiente. En fin, no es un disco fácil, desde ya. A esta altura, los viejos fans ya sabrán que los días de los riffs angulares y las bases a la Steve Albini no volverán. En su lugar tenemos una concepción musical mucho más compleja, de apariencia más amigable pero que esconde un alma ennegrecida y sórdida debajo de la elegancia electrónica y la engañosa languidez de las canciones. Un viaje tan embriagador como peligroso y necesario.

-Enabler “Eden sank to grief” (2010)
Los pergaminos no son garantía de nada, eso está claro, pero pocas cosas me entusiasman más que apilar en una misma oración nombres como Today Is The Day, Shai Hulud, Trap Them y Harlots. En esas (y otras) bandas paseó sus talentos como baterista Jeff Lohrber, quien ahora lidera desde el micrófono y las seis cuerdas a este joven y vigoroso cuarteto conocido como Enabler. Claro, las bandas antes mencionadas sirven, no sólo como recordatorio de algunos de los exponentes más interesantes del Hardcore y el Metal extremo de, por lo menos, los últimos diez años, sino también como una surte de referencia para describir lo que este furibundo “Eden sank to grief” nos escupe en la cara sin contemplaciones. En efecto, aquí tenemos bastante de esa suerte de Crust/Grind gordo, caótico y con visos Deathmetaleros a la Trap Them, la pericia instrumental y los riffs intrincados de Harlots, los ritmos frenéticos y las disonancias retorcidas de Today Is The Day y hasta algo de esa emotividad rabiosa de Shai Hulud. Todo supervisado por la oscura mugre que His Hero Is Gone dejó como legado ineludible para casi cualquier grupo de Crust moderno que se precie de tal. Ok, no se trata de material innovador pero, para un debut discográfico, la personalidad del cuarteto se hace presente con convicción y autoridad. El sonido es perfecto sin resignar suciedad ni energía, las guitarras cumplen una labor excepcional entre machaques masivos, ominosas texturas, construcciones laberínticas, sombríos pasajes melódicos, agresión desbocada, desarmonías varias y hasta algún que otro solo, el bajo gruñe enterrado en la mezcla pero se impone en los momentos en los que el resto de los instrumentos dan algo de aire (que son los menos, vale agregar), la batería sostiene todo con un arsenal de golpes tan versátiles como intensos y el mismo Lohrber pone la cereza sobre la torta con esos cascados alaridos que hacen hervir la sangre. En fin, un saludable equilibrio entre potencia desgarrada y visceral y un alto grado de musicalidad aplicado a transmitir sensaciones extremas. Para seguirlos de cerca.

-Fear Factory “Mechanize” (2010)
Algunos habrán esperado con grandes ansias el retorno del gordo Dino Cazares a la banda que lo hizo popular, en mi humilde opinión los dos discos que Fear Factory grabara sin su presencia (“Archetype” y “Transgression”) fueron sucesores mucho más dignos de “Obsolete” que el flojísimo “Digimortal” y no había nada en ellos que nos hiciera suponer que la salud creativa del cuarteto estaba en problemas. Claro, si hablamos de cifras de ventas tal vez la historia sea otra pero se supone que lo importa es la música, ¿no? Bien, dejando de lado el engorroso tema de los negocios, las mezquindades y los cambios de formación (no creo que nadie vaya a extrañar a Christian Olde Wolbers y para reemplazar a Raymond Herrera buscaron, nada más ni nada menos, que a Gene Hoglan, uno que le compite en obesidad al mismo Cazares), “Mechanize” nos presenta (desde los disparos iniciales hasta los tenues teclados finales) un más que obvio retorno al sonido de “Demanufacture”, probablemente su disco más recordado. Y eso, hablando estrictamente del aspecto musical, no es ni bueno ni malo, es como es. Fear Factory ya tiene un sonido definido (justamente, el que definieron en “Demanufacture”) y nunca se apartaron demasiado de él, por lo que pretender sorpresas sería, al menos, absurdo. Aquí tenemos todos los elementos que componen la receta Fear Factory (los riffs secos y filosos, el groove mecanizado, las atmósferas Industrialosas, los rugidos y las melodías de Burton C. Bell) empleados con sabiduría y oficio, sin sobresaltos (excepción hecha de la combinación de Meshuggah con estribillo etéreo de “Designing the enemy”) ni picos demasiado elevados de creatividad pero manteniendo un buen nivel, en especial gracias al sonido quirúrgico y al innegable gancho de la mayoría de las canciones. ¿Quiere decir esto que se trata de un álbum mediocre? Mmmm, tal vez mediocre sea una palabra demasiado fuerte, es un buen disco de Fear Factory si asumimos que nunca van a repetir el impacto ni la frescura de sus primeras obras y, de todas formas, sigue siendo infinitamente mejor que lo que sus muchos clones tengan para ofrecer. Digamos que si alguna vez se encuentran con ganas de escuchar algo parecido a “Demanufacture” pero que no sea específicamente “Demanufacture”, este “Mechanize” sería la mejor segunda opción.

-Frontier(s) “There will be no miracles here” (2010)
Aquellos memoriosos nostálgicos de lo que se conocía como Emo en décadas pasadas seguramente recuerden a Elliott, una de las mejores bandas en eso de emular la impronta melancólica de los legendarios Sunny Day Real Estate. Siete años pasaron de su disolución y ahora su cantante y guitarrista, Chris Higdon, retorna a la actividad de la mano de Frontier(s) y acompañado por ex miembros de luminarias del Hardcore más potente como Stay Gold, Guilt y Mouthpiece. Ni hace falta aclarar, entonces, que aquí tenemos mucho de eso que se conoce como Post-Hardcore, ese corazón vibrante y desgarrado, recubierto por composiciones que vuelan mucho más alto que los tres acordes y los ritmos acelerados de siempre. Es interesante notar, no obstante, que la propuesta de Frontier(s) de ninguna manera significa una mera continuación de lo hecho por Elliott con anterioridad. Desde ya, la voz siempre melódica y sensible de Higdon mantiene su huella inconfundible (aunque aquí expone un tono un tanto más rasposo, por momentos recordando a Chuck Ragan de Hot Water Music) y sus canciones no pierden en ningún momento el alto grado de emotividad que lo caracteriza, pero aquí encontramos una energía que parecía perdida en los últimos discos de Elliott (“False cathedrals” y “Song in the air”, editados en 2000 y 2003 respectivamente) y que, seguramente, tenga que ver con las conexiones Hardcorosas del resto de los integrantes. Asimismo, se perciben ciertos aires de dramatismo melódico y un cuidadísimo trabajo de guitarras que, por momentos, podría ser asociado al Post-Rock (e inclusive al Shoegaze) más cancionero, por así llamarlo. Pero, más allá de rótulos e intentos de comparaciones, lo que pesa aquí son las canciones. Y allí es donde el cuarteto tiene sus mejores armas, conservando en todo momento un sentido hilo emocional que recorre cada una de las diez composiciones, proponiendo intensas elaboraciones armónicas y dinámicas pero sin perder nunca de vista el gancho melódico ni esa urgencia expresiva que se siente en lo más profundo de las entrañas. Por supuesto, para disfrutarlo en toda su plenitud es preciso despojarse de prejuicios y corazas y estar dispuestos a abrir el corazón, aún a riesgo de que este termine severamente herido.

-Have A Nice Life “Time of land” (2010)
En 2008 Have A Nice Life (un nombre que representa casi una declaración de principios para todos los despechados del mundo) deslumbró a más de uno (entre ellos, Aaron Turner, líder de los recientemente disueltos Isis) con su álbum debut, “Deathconsciousness”, y una poderosa, envolvente y extremadamente emotiva cruza de Shoegaze, Drone, Post-Punk y Música Industrial. Al año siguiente vería la luz “Voids”, recopilando demos y rarezas varias en dos cd’s, y ahora llega este ep de cuatro temas para continuar con el deleite melancólico/ruidoso propuesto por el dúo. El asunto arranca con “Wizard of the black hundreds” y más de siete minutos y medio de espesa ensoñación, entre oleadas de guitarras distorsionadas, voces y resonancias fantasmales, un ritmo tenue apenas marcado por lejanos golpes metálicos y un pronunciado empleo del silencio como un elemento musical más. El ánimo se levanta, relativamente, con “Woe unto us”. Una dura base programada de oscuros tintes ochentosos (en algún lugar entre Joy Division y Killing Joke) se junta con más y más guitarras borrosas, un bajo amenazante, ominosos teclados y melodías vocales que apuntan directamente a romper corazones a cualquier precio en un complejo entramado de coros y arreglos desoladores. Un ulular embotador de guitarras nos da la bienvenida a “The parhelic circle”, mientras pesadas teclas resuenan a lo lejos, mostrándonos escabrosas pinturas del alma humana con una belleza dolorosa. Paulatinamente, un siniestro coro de zumbidos y resonancias de procedencia incierta se van apoderando de la imagen, contaminándola sin por ello destruir su mencionada belleza y dando lugar a la más mugrienta de las guitarras que da las últimas pinceladas con melancólicos y quebrados arpegios. El ritmo fúnebre y marcado de “The icon and the axe” nos despide adornado con una línea vocal donde la profunda emotividad esta vez tiene visos un tanto más luminosos y parece flotar entre impenetrables capas de coros, guitarras saturadísimas de efectos, graves subterráneos y teclados evocadores. Con sólo estos cuatro temas queda claro que la intención de Have A Nice Life aquí es la de explorar su costado más ambiental, dejando un tanto de lado los aspectos más desgarrados de sus anteriores entregas sin que eso signifique resignar su característico sonido Lo-fi ni su agobiante sensibilidad melódica. Un más que atendible entremés mientras aguardamos la esperada continuación del genial “Deathconsciousness”.

-Immolation “Majesty and decay” (2010)
Ah, el fin del mundo. Ese momento, anhelado tanto por cristianos (al menos los más ortodoxos de estos) como anticristianos (que vienen a ser prácticamente lo mismo que los cristianos) donde la existencia tal y cómo la conocemos se termina entre estertores de dolor, océanos de lava inundando la tierra y negras nubes fúnebres engullendo todo desde un impenetrable cosmos de antimateria. Ok, Immolation no será el primer (ni el último ni el único) grupo de Death Metal que pone todo su macabro empeño en representar imágenes apocalípticas con su música pero, sin duda alguna, son de los mejores y más tenaces en dicho terreno. Veinticuatro años de carrera y una discografía sólida (más allá de algún que otro altibajo) así lo certifican. Y, si con eso no les basta, aquí tenemos este monumental “Majesty and decay” que, luego del bajón creativo que significó el anterior “Shadows in the light” (en especial, con respecto a sus predecesores inmediatos, los geniales “Unholy cult” y “Harnessing the ruin”), demuestra que los neoyorquinos tienen cuerda para rato. A esta altura no le vamos a pedir que den vuelta las nociones del género ni que experimenten con tangentes inesperadas pero eso no significa que estemos en presencia de material burdo o falto de ideas. Por el contrario, cada uno de los doce (bueno, son diez más una introducción y un intervalo instrumentales) temas que componen la placa nos presenta un laberíntico despliegue de riffs enroscados, arreglos atonales, bases intrincadas, cambios de ritmo (intentar seguir los afiebrados golpes del baterista Steve Shalaty es un pasaje de ida a un ataque de epilepsia) y atmósferas de una majestuosidad (justamente) grotesca que pondría verde de envidia al mismísimo Tom Warrior en su faceta más pretenciosa. Por momentos, el grado de elaboración de las composiciones adquiere tintes casi Progresivos y aún así nunca se pierden en meros devaneos técnicos o en la brutalidad por la brutalidad misma. Vamos, aprendieron de la mejor escuela Morbidangelística, probando que se puede ser virulento, oscuro, épico y complejo y no por eso perder de vista las canciones. En fin, no son muchos los grupos que pueden mantener semejante nivel después de tantos años y ese es otro punto a tener en cuenta. Aunque parezca increíble, todavía hay lugar para un buen disco de jodido Death Metal en 2010.

-Pale Sketcher “Jesu: Pale sketches demixed” (2010)
Ya desde el nombre del proyecto y el título del disco se desprenden algunas pistas acerca de de qué se trata esto. Y sí, ya hacía mucho tiempo que no comentábamos nada donde estuviera involucrado Justin Broadrick, gracias a dios (o a quién corresponda) por su eterno espíritu inquieto y su inefable hiperactividad. Pale Sketcher nace a principios de 2009, mientras Justino escribía los temas para el ep “Opiate sun” de Jesu. Allí nuestro héroe decidió desterrar de dicho grupo la faceta electrónica (expuesta en ep’s como “Sun down/Sun rise” o el Split con Eluvium, y en el compilado “Pale sketches”, oh casualidad) para centrarlo aún más en las guitarras. Así, Pale Sketcher viene a representar la impronta de Jesu pero desde un punto de vista electrónico. Como para dejar esto bien en claro, este primer larga duración se compone estrictamente de remixes de ocho temas del mencionado compilado. En ese sentido, la ecuación es fácil. Se mantienen las dulces melodías melancólicas, las voces que flotan empapadas de efectos, los teclados celestiales y la delicada emotividad de siempre pero, en lugar de acompañar esos elementos con murallas de guitarras distorsionadas, bajos apocalípticos y ritmos aplastantes, tenemos elegantes bases programadas, sonidos limpios y ambientales (hay apenas un dejo de la mugre Industrial que caracterizó a Justin durante tanto tiempo) y, bueno, más teclados celestiales. Bien vale aclarar, para los seguidores de todo aquello que involucre a Broadrick, que no se trata de un trabajo estrictamente Ambient como los de Final ni de la Electrónica abstracta de Solaris B.C.. Podemos encontrar rastros de Dub y Trip-Hop (géneros que no son nuevos en el extenso vocabulario musical del líder de los recientemente reformados Godflesh) en la parte rítmica, con esas cadencias aletargadas y esos climas embotadores pero el punto de inflexión es la melodía. Allí es donde este proyecto se separa y cobra entidad propia, dotando de una calidez humana a un tipo de música que suele manejar premisas más bien antagónicas. En definitiva, y como era de esperar, el álbum evoca sensaciones similares a las presentes en Jesu (esa mezcla de desazón, ensueño, profunda desesperanza y elevada iluminación espiritual), sólo que valiéndose de métodos diferentes. ¿Hace falta siquiera que aclare que se trata de uno de los discos del año?

-Panacea “Chiropteran” (2010)
Cuando uno observa a Mathis Mootz (el hombre detrás de Panacea) no imagina que se trata de una persona con una formación musical académica y que, en sus años mozos, formó parte de un coro en su Alemania natal. La imagen del tipo es más afín a la de una especie de hooligan con serios problemas para controlar su rabia. Tal vez Panacea, su proyecto principal entre infinidad de otras exploraciones electrónicas, le sirva para ventilar toda esa agresividad. Y, si me guío por lo expuesto en este “Chiropteran” (octavo disco bajo ese apelativo), el blondo Mootz probablemente esté hecho una seda. Ya desde sus inicios, allá por 1996, Panacea se diferenció de la incipiente escena de Drum & Bass europea por condimentar sus beats siempre frenéticos con los sonidos corrosivos, las atmósferas opresivas y la agresión casi marcial de la Música Industrial. Dicha forma de encarar el género le confirió a su propuesta una energía sumamente visceral y física (en contraposición a la impronta más bien cerebral que suele dominar estos estilos, en especial a fines de los noventas) que también se trasladaba a sus presentaciones en vivo, algo que en su momento le valió alguna que otra comparación con el Digital Hardcore de Atari Teenage Riot o Shizuo. “Chiropteran” mantiene esa línea y nos sumerge en un espeso viaje de casi ochenta minutos, enmarcado en arquitecturas rítmicas moldeadas a martillazos e infectado por constantes capas de contaminación sonora que perturban los sentidos y raspan la piel. Por si hace falta aclararlo, esto no es material amigable para las pistas de baile. Las bases son demasiado caóticas y virulentas, los graves crujen y retumban y el impenetrable entramado de envenenados samples no sabe de ningún tipo de diversión bolichera. Al mismo tiempo, este frenético despliegue de brutalidad digital no va en detrimento de la creatividad, generando auténticas murallas sónicas dignas de apreciarse con los auriculares puestos. Desde ya, hacen falta oídos dispuestos a recibir una buena paliza para apreciarlo en toda su magnitud pero, para aquellos que no se amedrenten ante el desafío, la recompensa es más que jugosa.

-Swans “My father will guide me up a rope to the sky” (2010)
Ante el regreso de un grupo clásico, luego de un largo período de inactividad, siempre sobrevuelan dudas y el temor de que los resultados no estén a la altura de la historia. Ahora, cuando se trata de un grupo legendario, tremendamente influyente en diversas ramas del Rock en general (desde Napalm Death y Neurosis hasta Godflesh y Sonic Youth, y de allí en adelante) y portador de una de las discografía más destacadas de la historia de la música misma, entonces todo se amplifica y se multiplica al infinito, la expectativa, las exigencias y, claro, las emociones. Catorce años pasaron desde aquel maravilloso “Soundtracks for the blind”, el anterior trabajo de estudio de Swans y, si bien Michael Gira (eterno líder de la banda) se mantuvo ocupado y saludable al frente de The Angels Of Light y en proyectos como The Body Haters y The Body Lovers, nada hacía prever un retorno de la magnitud de este “My father will guide me a rope to the sky”. Bien vale aclarar algunos puntos: primero, la diosa oscura Jarboe no es de la partida, así que no esperen encontrar aquí ninguna de sus deslumbrantes intervenciones vocales. Sí contamos con la presencia de Norman Westberg, el guitarrista que definió el sonido de la primera era (la más abrasiva) de Swans. En segundo lugar, no esperen una vuelta al material más ruidoso ni una continuación de su faceta más Folk. Esto es Swans en 2010 y si nunca antes cayeron en la tentación de repetir el mismo discos dos veces, no hay razón para empezar ahora. Desde ya, el tono melódico y atildado (en algún lugar entre Lou Reed y Blixa Bargeld, pero con identidad propia) que la voz de Gira fue adquiriendo con el tiempo, así como las influencias folklóricas exóticas (por así llamarlas) que expuso en los mencionados Angels Of Light, conservan su lugar pero también lo hacen los espesos climas apocalípticos, la vastísima paleta sonora (guitarras eléctricas y acústicas, percusiones varias, teclados, pianos, samples, mandolinas, trompetas y más) y la agobiante densidad emocional y física que caracterizan a los mejores trabajos de los neoyorquinos. ¿Cómo explicar lo que ha logrado esta gente aquí? ¿Vieron el negror cósmico que ilustrada la portada del disco? Bien, eso ya nos da algunas pautas. En efecto, los inaugurales nueve minutos y medio de “No words/No thoughts” (un título muy Swans, vale decirlo) ya nos envuelven en un magma sónico impenetrable, una profunda pesadez que ya no se apoya exclusivamente en el ruido (aunque no por eso reniega de él) para lograr su cometido. Por el mismo precio, con ese tema sólo ya queda en claro cuánto aprendió un grupo como Neurosis de su magistral manejo de la dinámica. En los momentos más álgidos se cuela algún atisbo de lo hecho por Sunn 0))) en “Monoliths & dimensions” aunque con una impronta más humana y descarnada, en especial gracias a las lúgubres melodías de Gira, los aplastantes ritmos de la batería (hay tres bateristas distintos a lo largo del disco, entre ellos el ex Ministry Bill Rieflin) y las erupciones distorsionadas de Westberg. El disco en su mayoría va alternando entre esos temas densos y envolventes, que generan un intenso mareo con sus infinitas capas de instrumentaciones, y otros un tanto más despojados (por lo general de raíz acústica) donde brilla una sensibilidad melódica desgarradora que demuestra (como si hiciera falta a esta altura) que la fuerza no tiene nada que ver con el volumen o la distorsión, sino con la música misma. Y de eso hay mucho aquí. Se trata, sin duda alguna, de uno de los discos más complejos (casi diría sinfónico en su riqueza armónica, tímbrica y dinámica) de una banda que siempre se caracterizó por entregar material de difícil digestión. De cabeza a lo mejor del 2010.

-The Body “All the waters of the earth turn to blood” (2010)
Oh sí, ¿qué sería de la música en general y del Metal extremo en particular sin gente que esté mal, muy mal de la cabeza y necesite traducir todo ese malestar psíquico en agobiantes viajes sónicos? Chip (guitarra y voz) y Lee (batería) dan forma a The Body y ya desde el extenso pasaje coral que da inicio a esta segunda entrega discográfica confirman lo que sus barbas, sus gafas nerds, sus prominentes panzas y sus remeras de Magma nos hacían intuir. En casi todos lados se refieren a ellos como un grupo Sludge pero aquí hay mucho más que riffs Sabbáthicos empantanados de odio Hardcore y alaridos desgarrados. Ya mencionamos el empleo de suntuosos coros de tono casi religioso, una práctica que se repite a lo largo de la placa y le confiere un aire de solemne y apesadumbrada tensión que sólo se corta cuando la guitarra comienza a escupir sus riffs masivos montados en las espaldas de los colosales ritmos de la batería. Pero eso no es todo. El sonido crudo y claustrofóbico, los chillidos tortuosos que suenan como si fueran proferidos desde las entrañas de la más profunda de las cavernas, los abrumadores climas de misticismo lisérgico (más cerca de Swans que de Black Sabbath), los acoples hirientes, los ominosos arreglos orquestales, los samples enfermizos que rellenan cada mínimo resquicio sonoro y la movilidad deforme con que construyen sus composiciones ponen a este dúo en el podio de las bandas con sonido e identidad propia. No debe ser casualidad que provengan de Providence, Rhode Island, hogar de nuestro querido H.P. Lovecraft, un lugar donde, aparentemente, las pesadillas se corporizan con bastante frecuencia. Por momentos hasta pueden prescindir completamente de las guitarras y aún así generar una pesadez física y espiritual que trasciende lo que comúnmente conocemos como Metal. De hecho, meter a The Body en el rótulo de Metal sería tan erróneo como hacerlo con bandas como Swans, Boris, Khanate o Godflesh. Desde ya, se trata de un viaje arduo, áspero, opresivo, por momentos confuso y siempre con algún sorprendente as bajo la manga que ahuyenta el fantasma de la repetición o la pose genérica. Si realmente disfrutan de la música pesada, más allá de géneros y rótulos estériles, no lo pueden dejar pasar.

-Toadies “Feeler” (2010)
La historia se repitió más de una vez durante los noventas: un grupo de Rock de raíces independientes arriba a un sello multinacional luego de años de underground, edita un disco con cierto éxito comercial (en este caso, se trataría de “Rubberneck”, aquel debut de 1994 que los Toadies nunca pudieron superar del todo, en términos artísticos), comienza a grabar su sucesor (tentativamente titulado “Feeler”), el sello lo rechaza y los envía a grabar nuevo material (que vería la luz en 2001 bajo el nombre de “Hell below/Stars above”, donde aparecerían algunos temas pensados originalmente para “Feeler”) y, al poco tiempo, el grupo en cuestión se disuelve. En ese sentido, Toadies fue una más de las tantas bandas que, tras el fenómeno que significaron Nirvana y el Grunge en general, cayeron seducidos bajo el embrujo de la fama y el estrellato rockero, sólo para darse cuenta, de la peor manera (bueno, la manera de Kurt Cobain fue un poco peor, hay que admitirlo), de que todo eso no es más que cartón pintado, que nada es gratis en el mundo de los grandes sellos discográficos que siempre (pero siempre) hay que leer la letra pequeña del contrato. En 2006 este cuarteto de Texas volvió a las andadas y dos años después editarían (esta vez en la confortable seguridad de un sello independiente) “No deliverance”, su esperado regreso discográfico. En ese tiempo, el grupo intentó recuperar los derechos de aquel trunco “Feeler”, cosa que no lograron dado que Interscope (el sello multinacional en cuestión) clamó haber perdido los masters del disco. Sin amilanarse, los liderados por el vocalista/guitarrista Todd Lewis, decidieron entonces regrabar los temas del álbum que no vieron la luz (nueve en total) y, finalmente, lanzar de forma oficial lo que hubiera sido su segunda placa. Para aquellos que no estén familiarizados con su propuesta, vale decir que estamos hablando de Rock noventoso hasta la médula. Pueden llamarlo Grunge y nadie se va a oponer, ahí están las guitarras rasposas, la impronta entre Punk y Hard-rockera, la energía cruda y controlada al mismo tiempo, las melodías entre desesperadas, agridulces y gancheras, las bases potentes y sudorosas y el toque necesario de deformidad casi psicodélica. Desde ya, hay influencias. La efervescencia y las extravagancias típicas de unos Pixies dicen presente en más de una ocasión, el desgarro distorsionado de Nirvana no les es ajeno tampoco, ciertos malabares rítmicos y rifferos bien pueden asociarse al Post-Hardcore y la voz de Lewis, cuando se eleva hacia los agudos, tiene cierto aire al Chris Cornell más visceral. Pero, a pesar de ello, los tipos siempre se las arreglaron para dar a luz un resultado sumamente personal y reconocible, por no hablar de canciones redondas donde la energía, la imaginación, la emotividad y el gancho se dan la mano de forma vigorosa. Los fans probablemente hayan bajado en algún momento la versión no masterizada del primer “Feeler” que se coló en internet hace un buen tiempo pero bien vale la pena darle una oportunidad a esta nueva entrega, aunque más no sea por las notables mejoras en lo que hace a sonido e interpretación de los temas. Para cualquiera que ame rabiosamente el Rock de los noventas, es una pieza que les dará enormes satisfacciones.

-Total Abuse “Mutt” (2010)
La vida puede ser una mierda a veces. Más veces de lo que quisiéramos, es cierto. Pero no hay mal que por bien no venga y no por mucho madrugar se amanece más temprano. Si la vida fuera un constante lecho de rosas, los muchachos de Total Abuse no tendrían con qué inspirarse para crear estos vómitos sonoros que llaman canciones. Este es el sonido de la alienación más desesperada, la personificación sónica de dientes apretándose hasta resquebrajarse. Por momentos es como si tomaran los momentos más asfixiantes del “My war” de Black Flag y los pusieran dentro de una licuadora oxidada y descompuesta. El resto del tiempo la cosa no es tan amable. Aquí hay dos guitarras pero bien podrían ser turbinas de avión, hay un bajo cuyas cuerdas parecen haber sido reemplazadas por un sólido bloque de cemento, hay un baterista o un simio esquizofrénico aporreando tambores como si en ello le fuera la vida y eso que aúlla, se contorsiona y escupe diatribas de auto desprecio con la bilis a flor de piel difícilmente pueda ser considerado un cantante. Esto duele, aquí la música (por así llamarla) no es más que una herramienta para hacer la más violenta de las catarsis. Sí, hay riffs (bastardeados, ruidosos, tocados en un frenesí desprolijo y urgente, pero riffs al fin), ritmos bastante definidos que van del Hardcore más crudo y acelerado a los rebajes más babosos y opresivos pero hablar de géneros rockeros (Hardcore, Noise-Rock, Punk) no le hace justicia a la sudorosa frustración que desprenden estos once estallidos de saturada distorsión. Total Abuse se las arregla para dar con un resultado final sumamente personal e intenso sin ni un atisbo de pretensiones artísticas o afectadas poses snobs. Simplemente excretan toda su mala leche a los gritos, se ensañan con sus instrumentos (y, de paso, con nuestros oídos) y los atacan hasta quedar satisfechos y agotados. Tal como quedarán ustedes si se atreven a experimentar lo que este rabioso “Mutt” tiene para ofrecerles.

15 de agosto de 2010

Life is Money

Life nació como una vía para ejercitar nuestra pasión por el trabajo de Michael Gira, Justin Broadrick, Genesis P-Orridge, Steven Stapleton, William Bennett, Brian Williams, JG Thirlwell... esto es la música hermosa, con ritmos pegadizos, fácil de escuchar y muy llevadera. Y para conmemorar el estreno en todo el país del documental Desobediencia Debida, presentamos la banda sonora de dicho largometraje en una nueva edición de Zann.

En este disco encontrará la música inspirada por y compuesta para dicho documental, en esta primera edición de lo que esperemos sea una larga y fructífera colaboración.

Para descargar Due Disobedience de Life, hacer click aquí
To download Due Disobedience by Life, click here

12 de agosto de 2010


Por Fernando Suarez.

-Amebix “Redux” (2010)
Ah, las bandas de culto. ¿Mito o realidad? ¿Auténticos talentos injustamente ignorados por la gran masa anestesiada o una simple excusa para ejercitar el esnobismo nuestro de cada día? Como siempre, todas las respuestas son posibles, depende del lugar dónde se pare cada uno. Lo que es indudable es que Amebix tiene pegado en la frente el cartelito de banda de culto y son casi un ejemplo perfecto de aquel paradigma que reza: “no mucha gente los escuchó en su momento pero todos los que lo hicieron formaron su propia banda”. Claro, ayuda el hecho de que hayan sentado algunas de las bases del Crust a principios de los ochentas, de que encima se hayan animado a desafiar las supuestas reglas del género sumando importantes cuotas de oscura pesadez psicodélica (o sea, Black Sabbath, Killing Joke y hasta algo de Pink Floyd) a su característica cruza de desprolija velocidad Motörheadesca (o Venomesca, como prefieran) y energía Anarchopunk y de que gente como Neurosis, Sepultura, Winter, Napalm Death o Godflesh los mencionen como influencia ineludible en sus respectivos sonidos. Todo esto para decir que, luego de veintiún años de silencio, el trío se reformó en 2008 y aquí tenemos la primera entrega de estudio desde aquel “Monolith” (el título me exime de colocarle cualquier adjetivo) de 1987. Hay un cambio de formación tras los parches (ahora a cargo de Roy Mayorga, conocido por su trabajo en Soulfly y Stone Sour pero con sus credenciales Crustys al día gracias a los años que pasó en Nausea, uno de los representantes norteamericanos del género más viejos y destacados) pero se mantienen firmes el bajo atronador y la voz pedregosa de Rob “The Baron” Miller y la guitarra masiva y machacante de de su hermano Chris, también conocido como Stig. Bien, “Redux” es un ep de sólo cuatro temas y se trata de regrabaciones de tres canciones viejas (“Arise” del disco del mismo nombre editado en 1985, “Winter” del single del mismo nombre editado en 1982 y “Chain reaction” del mencionado “Monolith”) y el agregado de un tema en vivo (“Progress?” del ep “No sanctuary” editado originalmente en 1983) pero antes de que la palabra choreo se asome a sus labios bien vale decir que darle a semejantes temazos el sonido que se merecen no es una mala idea como primer paso para ir afianzando la nueva formación. En efecto, con esta refrescada sónica (Mayorga también se encargó de los teclados y la producción) queda del todo claro el por qué de la importancia de Amebix en el amplio espectro del Metal y el Hardcore extremos. Cualquiera de estas canciones suena fresca hoy en día y podrían competir con las legiones de bandas que intentan combinar Crust, Sludge y Thrash sin demasiada imaginación, y vencerlas con una mano atada a la espalda. Desde ya, el énfasis está puesto en el costado más épico de Amebix antes que en sus temas acelerados pero eso era de esperar si seguimos la evolución del grupo inclusive en sus discos viejos. En cualquier caso, mientras esperamos material nuevo (y más abundante), “Redux” es un excelente entremés que ya nos va preparando para lo que se puede llegar a venir.

-Extortion “Loose screws” (2010)
No hace falta decir demasiado. Pueden buscar las anteriores entradas en este mismo blog acerca de Extortion y allí encontrarán que hablamos de un cuarteto australiano con una energía inagotable y unas cuantas lecciones bien aprendidas de Black Flag, Lack Of Interest, Siege o Infest, entre otros. Una sola escuchada a este frenético “Loose screws” ya basta para ponernos en situación. Pueden darle todas las vueltas que quieran, llorar por la falta de variantes y el primitivismo musical (lo cual demostraría que, una vez más, no entendieron nada de nada) e inclusive utilizar términos como Powerviolence, si eso los hace felices. En última instancia, esto es Hardcore/Punk de pura cepa, rabioso, acelerado, mugriento, urgente, con las necesarias bajadas de velocidad (¿ya mencioné a Black Flag?), los riffs simples que apuntan al entrecejo (y nunca, pero nunca, fallan), la voz gruñona, desprolija y cargada con todas las frustraciones de la vida cotidiana, las bases rústicas e inevitablemente contagiosas y una potencia que calificaría como inhumana si no se sintiera tan profundamente en las entrañas. Si andan necesitando algo de música para descargar toda la bronca del día a día, he aquí una opción ideal.

-Ghost Town “Calamities” (2010)
Entre koalas, canguros y hectolitros de cerveza Foster, llega Ghost Town con un álbum debut bajo el brazo más afilado que el cuchillo de Cocodrilo Dundee y más furioso que el Demonio de Tasmania. Sí, por si andan despistados, este joven cuarteto viene de Asutralia y no tienen empacho en mostrar los dientes. Claro, a esta altura ya aprendimos que un grupo puede tener toda la rabia del mundo y no por eso prescindir de buenas ideas musicales y vuelo creativo. El sonido de Ghost Town puede ser comparado al de paladines del extremismo actual como Trap Them, Torch Runner e inclusive Converge en sus días más virulentos. Es decir, una intensa combinación de mugre Crust, disonancias y fracturas rítmicas afines al Mathcore o el Noisecore, rebajes que rozan el Sludge, catártico vértigo Grindcore, cierto regusto al viejo y querido Death Metal sueco de principios de los noventas (los primeros Entombed, Grave y Dismember, en especial en lo que hace al sonido de guitarra) y una constante sensación de tensión y violencia que pone la piel de gallina. No se puede decir, desde ya, que se trate de una propuesta demasiado original pero, para ser un primer paso discográfico, estos australianos se las arreglan para presentar alguna que otra idea propia y reemplazar lo que falta con una energía avasallante y una convicción a prueba de balas. Es prácticamente imposible escuchar este “Calamities” sin sentir la imperiosa necesidad de sacudirse como un poseso pero, al mismo tiempo, una escucha más atenta revela una labor más que interesante en la base rítmica y las seis cuerdas. Hasta hay lugar, entre tanto frenetismo y ataque a los sentidos, para un remanso instrumental (“Ethereal”) que sirve de antesala para la densa emotividad (en la mejor tradición Neurosiesca) de “The Storm”. Por ahora son una promesa más que atendible pero yo recomendaría seguirlos de cerca en el futuro.

-Insidious Disease “Shadowcast” (2010)
A primera vista, la cosa viene dividida. Claro, que un grupo cuente con la presencia de Silenoz (de Dimmu Borgir) y Jardar (de Old Man’s Child) en guitarras no es precisamente algo que me entusiasme demasiado. Al menos, insisto, no en teoría. Pero si a ellos les sumamos la siempre confiable máquina de cuatro cuerdas de tirar pedos de Shane Embury (ya saben, Napalm Death y un listado infinito de proyectos paralelos), el afiebrado repiquetear rítmico de Tony Laureano (agarrámela con la mano, digo, ex miembro de Nile, Malevolent Creation, The Black Dahlia Murder y Nachtmystium, entre tantos otros) y el inconfundible graznido de Marc Grewe (ex vocalista de los geniales Morgoth), entonces tienen toda mi atención. Sí, se trata de otro supergrupo extremo de los tantos que andan dando vueltas hoy en día, sólo que este viene con premisas más modestas. De cierta forma, este proyecto me recuerda a Lock Up, aquel proyecto que Embury compartiera junto al difunto Jesse Pintado, el obeso Nick Barker y, en distintas ocasiones, los gruñidos de Peter Tägtgren y Tomas Lindberg. No porque la música sea similar (aquellos se inclinaban claramente hacían el Grindcore, mientras que aquí lo que prima es el Death Metal), si no porque ambos me transmiten una sensación distendida, de amigote que se juntan para tocar sin más pretensiones que pasar un buen rato a puro headbanging. En efecto, lo que aquí tenemos son once temas (entre ellos, un cover del “Leprosy” de Death) a puro Death Metal de la vieja escuela, de riffs simples y certeros (jamás hubiera imaginado que los dos peleles que ofician como guitarristas fueran capaces de concebir riffs tan buenos), ritmos potentes y gancheros, y un sonido…bueno, el sonido es claramente actual, con la potencia y la claridad necesarias como para darle a las canciones el necesario marco de violencia sonora. No esperen, entonces, experimentos ni innovaciones, si no una patada en la nuca tras otra. Tal vez algún que otro detalle en las seis cuerdas tenga un regusto lejano a Black Metal, lo cual es bastante lógico y, en definitiva, tampoco es que estamos hablando de géneros tan alejados. Por lo demás, “Shadowcast” recuerda notablemente al Morgoth previo a su etapa experimental (este bien podría haber sido el disco que editaran entre “Cursed” y el monumental “Odium”), lo cual sería casi como decir una especie de Obituary un tanto más acelerado y enroscado. O sea, pura dicha Deathmetalera o le devolvemos su cadáver pútrido enterrado en el sótano.

-John Zorn “Dictée/Liber novus” (2010)
Todos los que, de alguna forma, tratamos de seguir los siempre impredecibles pasos discográficos de John Zorn en algún momento nos preguntamos, ¿este tipo descansa en algún momento? Ni siquiera hablemos de sus más de treinta años de afiebrada carrera musical y su titánica discografía, sólo en lo que va de 2010, Zorn ya lanzó tres discos, tiene dos prestos a ser editados a la brevedad (el volumen veinticuatro de sus Filmworks y un trabajo llamado “Ipsissmus”) y encima sacó un libro y un DVD. De los discos ya editados, “In search of the miraculous” y “The goddess” siguen la línea melódica/espiritual planteada por la así llamada Alhambra Ensemble, ideales para aquellos que aprecien el refinamiento y la elaboración musical a ultranza pero un contexto más bien amigable. Por otro lado, el que nos ocupa es un disco dividido en dos extensas composiciones de neto corte experimental que remiten, de cierta forma, a aquel genial “Duras: Duchamp” de 1997. La primera parte (“Dictée”) es un “homenaje ritual” (en palabras del propio Zorn) a Theresa Hak-Kyung Cha, escritora y artista conceptual coreana/americana que ha basado su trabajo en tópicos como la pérdida, la memoria, el lenguaje y la identidad. Sí, con eso ya deberían ir intuyendo que la cosa no viene fácil esta vez. La segunda parte (sí, adivinaron, “Liber novus”) se presenta como un “psicodrama mítico inspirado por el legendario Libro Rojo de Carl Jung” y confirma, entonces, el aire de profunda complejidad de la obra. Poniéndolo de forma un tanto más simple, “Dictée/Liber novus” es un viaje frenético y embriagador, un recorrido por laberintos musicales que cambian de forma y contenido constantemente, casi como si tuvieran vida propia. Por momentos da la sensación de que una película se está representando ante nuestros oídos, tal es la profundidad y el sentido de la dinámica aquí manejados. Bien vale aclarar que, más allá de la naturaleza caótica de las composiciones, no se trata de material improvisado. Una escucha atenta revela que cada detalle está puesto en cada lugar por una razón y con una precisión que bordea la psicosis absoluta. Y, otra aclaración que vale la pena hacer, no se trata de un álbum necesariamente ruidoso y abrasivo. O sea, no faltan los momentos donde los sonidos se quiebran y se desencajan, pero siempre hay una frase melódica esperando a la vuelta de cada una de las múltiples esquinas de este paseo. En especial la labor de piano, a cargo de Sylvie Courvoisier y Stephen Gosling, es de una exuberancia y una riqueza musical enceguecedoras. En fin, no hay mucho que pueda decir para explicar la MÚSICA (así, con mayúsculas) aquí contenida, me llevaría páginas y más páginas (por no hablar de años de estudio minucioso) explicar en detalle cada recoveco de estas soberbias composiciones. Prefiero apelar, entonces, a la intensidad del flujo de imágenes y sensaciones que las mismas transmiten, al absoluto gozo (que, como todo gozo, tiene algo de dolor) que empapa el alma al escucharlas con todos los sentidos enfocados. No importa qué tipo de música sea su preferido, si les gusta la música deberían, al menos, darle una oportunidad.

-Kingdom Of Sorrow “Behind the blackest tears” (2010)
No me importa ser tildado de snob y perseguido por sus iracundos fans, aún sin tener el placer de conocer personalmente a Jamey Jasta, la banda que este señor lidera (Hatebreed, por si viven debajo de una piedra) me resulta bastante desagradable en casi todos los aspectos en que un grupo de Rock puede serlo. Aún así, no me queda otra que admitir que su asociación con el gran (también, en todo sentido) Kirk Windstein, la busarda maestra detrás de Crowbar, en la forma de Kingdom Of Sorrow ha rendido sus buenos frutos. El debut homónimo que editarán en 2008 ya mostraba una interesante combinación entre la típica densidad melancólica de los sureños y cierto dejo agresivo/machacón habitual en la propuesta unidimensional de Hatebreed. “Behind the blackest tears” es el segundo trabajo del proyecto y, otra vez, he de decir que no está nada mal. La premisa es básicamente la misma: riffs gordos y marcados, por momentos bien lentos y arrastrados, en otros jugando con esas melodías desgarradoras que Windstein tan bien maneja y a veces machacando con un regusto entre el Thrash, el Hardcore y el Doom, una base rítmica contundente, no muy brillante pero sumamente efectiva, y las voces de los dos líderes entrecruzándose entre gruñidos violentos (en su mayoría, a cargo de Jasta), lamentos rasposos y melodías con el corazón roto, estas últimas especialidad de Windstein. Desde ya, no se trata de material innovador ni nada por el estilo, ni creo que sean esas las intenciones. Aquí manda la contundencia adornada por esa impronta emotiva que generó la máxima que reza que si uno lee las letras de Crowbar y las entiende, entonces en su vida está todo mal. En cualquier caso, para los que esperamos con ansías un nuevo trabajo de los gordos de New Orleans, Kingdom Of Sorrow sirve para paliar la abstinencia, aún cuando, cada tanto, se meta un mogólico a berrear y hacerse el malito.

-Les Savy Fav “Root for ruin” (2010)
En sus comienzos (allá por 1995), Les Savy Fav fueron criticados por considerárseles una mera copia de Fugazi. Me rasco la cabeza y no comprendo qué hay de malo en emular a la mejor banda de Rock de todos los tiempos. En cualquier caso, estos neoyorquinos fueron demostrando, disco a disco, que, más allá de su amor por el Post-Hardcore contracturado de los cuatro fantásticos de Washington DC, tenían ideas propias y de las buenas. “Root for ruin” es su quinto álbum de estudio (sin contar ep’s ni compilados) y en él despliegan cuarenta minutos de pura efervescencia Punk teñida de críptica intelectualidad y con el instinto siempre puesto en mover el esqueleto de forma descontrolada. Y sí, a esta altura, las comparaciones con Fugazi no son del todo acertadas. Si bien ciertos juegos de guitarras y disonancias pueden remitir a lo hecho por Ian MacKaye y Guy Picciotto en sus años dorados, aquí resuenan mucho más fuertes los lazos con el Post-Punk inglés de fines de los setentas, en especial bandas como Wire y Gang Of Four. Siguiendo esa línea, el sonido de Les Savy Fav puede ser comparado a nombres como Q And Not U, French Toast o Antelope, es decir un puente entre el elegante nerdismo del primer Post-Punk, la intrincada emotividad del Post-Hardcore Washingtoniano de principios de los noventas, la fragilidad melódica del Indie-Rock y una impronta rítmica que apunta sin complejos al baile. Inclusive los momentos más Poperos del disco llevan impresa esa magia entre psicodélica y retorcida que los Pixies nos legaron en himnos como “Wave of mutilation” o “Velouria”. Más allá de rótulos y referencias varias, lo que aquí tenemos es un excelente disco de Rock guitarrero con un perfecto equilibrio entre crudeza, elaboración, inteligencia, emoción y energía eminentemente física, ¿qué más le pueden pedir a la vida?

-NoMeansNo “0+2=1 ½” (2010)
La historia es simple, al finalizar la grabación de lo que sería su disco “0+2=1” (editado originalmente en 1991), los miembros de NoMeansNo notaron que tenían en sus manos demasiados temas y no se sentían cómodos con la idea de editar un disco doble. Así, algunos temas quedaron fuera de dicho álbum y fueron viendo la luz (con excepción de “Now it’s dark”, el único tema cien por ciento inédito del disco que nos ocupa), en versiones regrabadas, en posteriores entregas discográficas. Avanzamos hasta la actualidad y estos canadienses amigotes de Jello Biafra deciden entregarnos las versiones originales de esos outtakes, junto a demos registrados en la misma época. Desde ya, es material sólo para fans y, como tal, el mismo grupo entrega (en su formato digital) este “0+2=1 ½” de forma gratuita para descargar desde la página web de su sello discográfico, www.wrongrecords.ca. Bien, para aquellos no familiarizados con la propuesta de NoMeansNo tal vez baste decir que fueron pioneros absolutos (tengan en cuenta que el grupo existe desde 1979) en lo que hace a combinar la energía inmediata del Punk-Rock con excentricidades rítmicas y armónicas típicas del Jazz, siempre manteniendo un particular equilibrio entre potencia, intrincado virtuosismo instrumental, deforme vuelo compositivo y gancho melódico. El hecho de que en un mismo disco (“One” de 2000) versionaran un tema de Ramones (“Beat on the brat”) y uno de Miles Davis (“Bitch’s brew”) ya nos habla a las claras de los parámetros artísticos que manejan. Aquí encontrarán ni más ni menos que todo aquello que los caracteriza, las bases frenéticas pero provistas de un swing y un dinamismo inigualables, los riffs certeros y angulares, los perfectos juegos corales siempre provistos de un saludable sentido del humor, el bajo que rellena cada mínimo espacio repartiendo dedos por doquier con una precisión que pondría verde de envidia a todos los aspirantes a Jaco Pastorius del mundo y las composiciones que pueden ir sin inmutarse desde el más efervescente primitivismo rockero hasta el más enroscado laberinto musical, manteniendo siempre esa impronta delirante que, no obstante, esconde una profunda inteligencia que se corporiza también en sus letras. En fin, insisto, para los fans es material casi obligatorio y, para aquellos que no los conocían, puede llegar a ser una buena introducción a una de las bandas más creativas y refrescantes de los últimos treinta años.

-Pianos Become The Teeth “Old pride” (2010)
¿Vieron cuándo uno se guarda cosas que le molestan por demasiado tiempo e imagina situaciones en las que dichas situaciones se resuelven de forma ideal? Las palabras resuenan firmes en la mente pero, a la hora, de afrontar finalmente los hechos, nuestras acciones son torpes y descuidadas. Bien, algo así es lo que transmite este larga duración debut de Pianos Become The Teeth. Este quinteto oriundo de Baltimore puede caer fácilmente en la categoría de Screamo, siguiendo la línea más bien elaborada de grupos como City Of Caterpillar, Funeral Diner, One Eyed God Prophecy o el primer Envy, esa que suma importantes cuotas de emotivo paisajismo Post-Rockero a los esperables ataques de desesperación distorsionada. En ese sentido es que se da la dicotomía de la que hablaba al principio. Las canciones manejan estructuras intrincadísimas, con constantes subidas y bajadas de intensidad, desarrollos épicos, rítmicas variadas y un espeso entramado de guitarras que juegan entre delicados arpegios, punteos elevadores, enroscados contrapuntos, tensas progresiones de acordes y, claro que sí, viscerales estallidos de absoluta liberación emocional. El punto es que todo ese cuidado detallista se ve complementado por una entrega descarnada, física y urgente, retratada especialmente en los desgarrados alaridos de Kyle, el vocalista del grupo. Es como si toda la banda pensara de forma casi quirúrgica las composiciones, proponiendo arreglos e ideas musicales de una profundidad apabullante pero, a la hora de interpretarlas, se vieran superados por los propios sentimientos que estas transmiten, reemplazando así lo que podría ser una cerebral frialdad por una intensidad que se escapa de los parlantes y nos envuelve hasta estrangularnos. Uno de los debuts más auspiciosos en lo que va del año.

-Standstill “Adelante Bonaparte” (2010)
Con una banda tan inquieta y de apetito creativo siempre insaciable como Standstill, suele estar latente la posibilidad de quedar desconcertado o disconforme con alguno de sus pasos musicales. Debo admitir que, en lo personal, su pasaje del inglés al castellano (en su disco homónimo de 2004) me resultó poco atractivo y lo mismo puedo decir de los vericuetos casi Progresivos de su anterior placa, “Vivalaguerra”. No obstante, he de rescatar siempre el espíritu de cambio constante que encarnan estos barceloneses y la forma en que se lanzan a explorar sus inquietudes artísticas sin miedos ni complejos de ningún tipo. Y esto se aplica más que nunca a “Adelante Bonaparte”. La banda misma lo define como “una fábula circular” y el disco vienen dividido en tres ep’s, lo cual ya nos anticipa que el costado más bien arty de la propuesta sigue tomando preponderancia. Ahora bien, cuando los sentidos pianos y los ominosos coros de “Todos de pie (prefacio)” nos dan la bienvenida comenzamos a confirmar que Standstill ha mutado, de sus inicios cercanos al Screamo y el Post-Hardcore, a una entidad absolutamente propia e imposible de categorizar. Mejor decirlo de una vez, en este disco no hay riffs distorsionados, ni ritmos frenéticos, ni alaridos. De hecho, ni siquiera sé si lo podría considerar como un disco de Rock pero, a decir verdad, tampoco sé de qué forma llamar a estas canciones. ¿Folk melancólico y multi tímbrico teñido de una elaboración que se asoma al Post-Rock más experimental? ¿Baladas evocativas de profundidad cinematográfica y con las emociones a flor de piel? ¿Paisajes musicales pintados con rasgueos y arpegios acústicos, tenues percusiones, melodías vocales desgarradoras en su calidez intimista y un sinfín de sonidos (electrónicos y acústicos) e instrumentaciones que entran y salen como brisas de un sueño? No es casualidad que al tope de sus amigos en Myspace esté el barbudo rostro de Robert Wyatt, aquí se percibe bastante de esa impronta tremendamente emotiva, maliciosa y elegante que el ex líder de The Soft Machine desplegara en sus trabajos solistas. Aún así, se trata sólo de un punto de referencia, el sonido al que el cuarteto ha arribado es absolutamente propio e inconfundible. Mi único problema sigue siendo el acento castizo, aunque, desde ya, se trata de una tara mía y no de un defecto del grupo que, por otro lado, expone unas letras que complementan a la perfección la impronta desgarradoramente sentimental de las composiciones. El leitmotiv de “Adelante Bonaparte” parece ser “inventar un plan para escapar hacia adelante” y dicho refrán resume perfectamente el espíritu, no sólo de este disco, si no de la carrera de Standstill en general. Cualquier amante de la música (más allá de rótulos, poses y todas esas cosas que poco y nada tienen que ver con la música misma) que se precie de tal debería, al menos, darle una oportunidad.

-Tyrant Of Death “Connect” (2010)
Con el tiempo, ciertas mixturas musicales que en determinado momento parecen imposibles, se tornan lógicas y casi necesarias. Por ejemplo, en primera instancia el Black Metal y el Shoegaze parecían dos géneros irreconciliables pero, gracias a bandas como Alcest, Wolves In The Throne Room o Caïna (entre tantas otras que han surgido en los últimos años) descubrimos que entre los riffs borroneados y empapados de reverb del primero y las cascadas de embotadora distorsión melódica del segundo había un fuerte lazo en común. De la misma forma, no debería resultar nada curioso que alguien llegue a la revelación de que la agresión mecánica y contracturada de Meshuggah (un subgénero en sí mismo, a esta altura) puede llevarse muy bien con los beats y las texturas digitales que el costado más abrasivo de la Música Electrónica e Industrial tienen para ofrecernos. Tal es lo que sucede con Tyrant Of Death, la criatura creada por un canadiense conocido simplemente como Alex. Luego de dos ep’s instrumentales (titulados simplemente “Ep#1” y Ep#2”), llega el álbum debut y los amantes de los ritmos trabados, los riffs gordos y cortantes, los climas futuristas y la abundancia de arreglos y capas sónicas estamos de parabienes. Cuando las guitarras se ponen al frente y las bases se trenzan en golpes impares (por momentos reproduciendo a la perfección el sonido de batería programada que Meshuggah utilizara en “Catch 33”), la impronta de los suecos toma indiscutidamente la posta, pero cuando aparecen beats típicos del Drum & Bass o el Gabber, misteriosas melodías de piano o frenéticas secuencias y samples, la cosa toma un color bastante personal. Y les aseguro que el resultado final mantiene la intensidad, la densidad y la sobrecarga sensorial de discos como “Nothing” o “Chaosphere”, sólo que adornada por una nueva dimensión de sonidos electrónicos que, para qué negarlo, se funden de forma absolutamente natural con los elementos más metálicos (sumen también algún que otro pasaje rozando el Death Metal) de la propuesta. Y, como si eso fuera poco, el mismo Alex nos alienta a descargar su música de forma gratuita, sólo basta con visitar www.myspace.com/tyrantofdeath1 para hacerlo. No sé si alguna vez tendremos legiones de grupos imitando este nuevo estilo o si la prensa inventara alguno de sus nombres estúpidos para describirlo pero, por las dudas, aprovechen a disfrutarlo mientras todavía está fresco.

-Ufomammut “Eve” (2010)
Con su anterior placa (“Idolum” de 2008), este trío italiano ya había demostrado que, a la hora de combinar los aspectos más espesos y expansivos del Doom y la Psicodelia espacial, pocos podían igualarlos. “Eve” redobla la apuesta, entregando un único tema de cuarenta y cuatro minutos dividido en cinco partes que homenajea a la figura bíblica de Eva, la primera mujer según las creencias cristianas. Como podrán imaginar, se trata de material de ritmos arrastradísimos, casi agonizantes, riffs atronadores que resuenan hasta en el último recoveco de la galaxia más lejana, desarrollos tectónicos que abren grietas en la superficie de la tierra y un sinfín de arreglos lisérgicos que trasladan la imaginación a planos desconocidos por la mente humana. Debo ser absolutamente honesto, mi ánimo actual está prácticamente en las antípodas de este tipo de propuestas musicales. Últimamente, el Doom en general, con su supuesta impronta malvada, se me presenta como poco más que una parodia exagerada de los primeros discos de Black Sabbath y la Psicodelia setentosa, en la mayoría de los casos, me resulta un bocado soporífero que simplemente esconde, bajo capas y capas de cuelgues y efectos, la falta de talento e ideas de sus practicantes. Bueno, algo deben tener estos tanos para que su música se separe de dichas premisas, aún cuando son precisamente un resumen casi perfecto de ambos géneros. Tal vez sea el hecho de que sus composiciones mantienen un hilo argumental definido inclusive en esos extensos pasajes de pura voladura cósmica, tal vez sea que la innegable intensidad que manejan los aleja de la mera autocomplacencia, tal vez sean esos riffs escupidos con tal convicción que desintegran cualquier atisbo de pose rockera/bobalicona (de las que abundan en el Doom), aunque lo más probable es que yo sea un hinchapelotas, ni más ni menos. En cualquier caso, para los amantes de las guitarras gordas, los ritmos aplastantes y los envolventes climas de embotamiento sideral, “Eve” es de lo mejor que tiene para ofrecer el género en los últimos tiempos.