Review: TAIA "Simple III: El último chamán" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-TAIA "Simple III: El último chamán" (2011)
La rebelión. Romper aquellos obstáculos. Dar un paso al costado a la indiferencia. La angustia transformada en energía en contra del conformismo. Hacer lo que otros no quieren en pos del bien común. Soportar las miradas de odio y la megalomanía. Apretar los dientes hasta que te estallen las encías. Chascar los dedos hasta que se te claven las uñas. Poner a la naturaleza sobre la artificialidad. Buscar los medios para perfeccionarse ante el vacío existencial. Cortar los lazos que te unen a la desdicha. El Screamo ha logrado instalarse finalmente en nuestras pampas y no es de extrañar la calidad de producciones de bandas como Ostende, Murallas, Arboles en Llamas, La Última Canción del Mundo, Escupen Serpientes y Taia. Para estos últimos podemos decir que los marca algo que varios de sus compañeras de escena no poseen (sin ser un demerito de sus trabajos): La personalidad. Ya desde sus anteriores trabajos, los interesantes "Simple I y II" y "Magnetofonic Sessions", la banda buscaba despegarse de la típica formula de Screamo in your face de popes como Pg 99 y Orchid o del costado más Post-rockero a cargo de bandas como Envy, City of caterpillar o Gantz (para poner ejemplos), haciendo uso de samples y instrumentos tan particulares como el Didgeridoo, derbake y Pincuyo, que le daban un toque más atmosférico y progresivo al asunto, aunque por momentos podían jugarles en contra en cuanto al equilibrio entre la violencia y los momentos introspectivos que suelen tener este tipo de bandas. Con el cambio de baterista, "El último Chamán", equilibra mejor el sonido de la banda logrando un trabajo en algunos aspectos más maduro y en otros, diferente a lo escuchado en sus otros discos. Eso no quiere decir que ese aspecto atmosférico que los distingue del resto de sus pares e incluso de referencias extranjeras, no siga latente, sino que han dejado algo de lado esa sobrecarga ambiental que los caracterizaba por rebajes más psicodélicos (si hay una forma de describirlos) que se logran amalgamar a los más catárticos. Las guitarras siguen dibujando arpegios tan bellos como riffs brutales (para los estándar del genero claro), las voces gritonas que no temen variar a momentos más angustiantes con líricas de una poética tan simple como inteligente, la batería trasmitiendo con cada golpe un triunfo a la inconformidad y los climas son casi un descanso en este viaje de promesas incumplidas en el calamitoso mundo que vivimos. Si sentís lo mismo, podes escucharlo y bajarlo en taiasimple3.bandcamp.com/album/el-ultimo-chaman-simple-3. Si no, el mundo no cambiará de todas formas.

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Review: IconAclass "For the ones" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-IconAclass "For the ones" (2011)
Hablar de vanguardia o al menos de propuestas imaginativas en el Hip Hop es al menos complicado. No porque el Hip Hop no pueda escapar a los estamentos tradicionales (si popes fundacionales como Afrikaa Bambaataa o los Bestie Boys siempre buscaron romper barreras incluso en el cabecismo barriobajero del genero), sino por esa suerte de conservadurismo que solo ayudó a imponer el imaginario más frivolero del genero, el de las cadenas, la actitud gangster (en cierto modo relacionado al ámbito que vivían muchos de los popes) y las típicas bases entre el R&B, el Soul una que otra vuelta no demasiado relevante. Aún así, el Hip Hop más under nos entrego interesantes proyectos como Anti-Pop Consortium, El-P, Xrin Arms, The Disposable Heroes of Hiphoprisy (antes conocidos por The Beatnings) y por supuesto, Dälek. Estos últimos, comandados por MC Dälek (Will Brooks para los mortales) y Dj Oktopus daban rienda suelta a su amor por el Rap, como también a las imágenes deformes post Industriales de Godflesh y en cierto modo, al ruido embotador y preciosista de My Bloody Valentine, y líricas punzantes que no entran en los típicos barriobajeros, sino de alto contenido político. Iconaclass es uno de los proyectos paralelos de Will Brooks y a diferencia de Dälek, podemos decir que toma aquel aspecto más relacionado con el costado atmosférico que hacen a su banda principal. Si hablamos estrictamente, las bases tipicas del Hip Hop estan presentes, los impresindibles screatching del Dj, alguna base o sonido que no desentonaría en un disco de Public Enemy o NWA. Sin embargo, también hay espacio para momentos más suburbanos y oscuros , aquel sonido vintage típico de los discos de pasta que no se aleja de lo visto por Portishead, sin ese clima de Voudeville sombrío de los ingleses y ritmos electrónicos descontracturantes que buscan poner groove donde nunca lo habrá. Si hay una definición correcta sería la de un Dälek sin aquellos climas de Apocalipsis suburbano y si con el costado más ambiental y discordante del mismo. Está claro que al que no le guste mínimamente el Hip Hop lo odiará, pero al que disfrute la música más allá de las categorizaciones y de los típicos estereotipos de siempre, tendrá un plato ameno con que pasar el rato y mover la patita, pero sin Mtv y morenos patoteros que te molesten. La decisión es tuya.

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Review: Will Haven "Voir Dire" (2011)

Por Mariano Lastiri.

-Will Haven "Voir Dire" (2011)
Tras el hiato de la banda en 2002, en parte gracias al alejamiento de su vocalista Grady Avenell, el regreso en 2005 con un disco sin este (el portentoso "The hierophant" de 2007, a cargo de Jeff Jaworski de Red Tape), Will haven seguía marcando los ingredientes que daban marcada cuenta de su identidad, con una que otra variación, pero sin perder la energía y la imaginación. Con Avenell de nuevo detrás del micrófono (y la incorporación de Chris Fehn de Slipknot en el bajo), "Voir Dire" no solo se perfila como otra gran pieza dentro del prontuario de los californianos, sino tal vez de sus mejores trabajos desde aquel "El diablo" de 1997. Claro que no hablamos de un giro de timón tan radical, pero nos encontramos ante un disco que combina ideas que potencian aquel sentimiento opresivo, extremo y bastante original, apiñados de manera excepcional. Seguimos hablando de esas atmósferas corrosiva noiseras, de esos riffs entre el Hardcore y el Metal, de esos rebajes cercanos a sus camaradas de Deftones (y porque no, a popes del Post-Hardcore como Quicksand y Helmet, que tuvieron importante influencia en la banda de Chino Moreno), de las disonancias, de un vocalista gritón que a pesar de sus limitaciones, deja hasta su garganta desgarrada en el micrófono, de canciones opresivas con aires apocalípticos. Pero para este disco, nos encontramos con momentos ambientales de impronta casi Post-rockera (casi alusivos al Neurosis más emocional), como con "Held to answer", tema que abre la placa. Aún así, no se olvidan su identidad y sin importarles las consecuencias sacan de la galera "When the walls clone in", con todos los condimentos del Will Haven que todos conocemos. Como si fuera poco se animan a riffs que pondrían envidioso a Fredrick Thordental, como en "Urban Agoge" o "The siege", sin olvidar los buenos medios tiempos cargados de maldad disonante. "A beatiful Death" nos muestra que solo se necesita una buena atmósfera y una voz para anunciar que se acaba el mundo. "Lives Left to wither" nos lanza a un espiral angustiante y no nos quiere dejar salir. Es imposible y solo la tormenta precede a la calma. Pero eso es poco El clima entre apesadumbrado, oscuro y brutal no se detiene a lo largo de los 10 temas que posee el disco y ya del vamos, uno se pregunta si no se acabó el mundo para volver a poner el play. Llamenlo Noisecore, Hardcore, New Metal o lo que quieran. Lo que si es seguro es que esta entre los mejores disco de este 2011 y eso no es poco.

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Cuco en vivo en Buenos Aires

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Festival ¡Salgan al Sol!

música en vivo + expo + feria + mural + comidas + teatro + proyecciones + intervenciones + birra barata en Casa Bosque... REVIENTEEEEEEN!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Para mas info contactarse a caracolrojodiscos @ gmail . com

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Tzara - Second Hand Thoughts CD

Para todo aquel interesado en tener la copia física de Second Hand Thoughts, puede contactarse a la dirección indicada en Contact from Beyond.

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Review: Seven Daily Sins “Say Yes to Discomfort” (2011)

Por Manuel Platino.

-Seven Daily Sins “Say Yes to Discomfort” (2011)
Los siete pecados diarios, uno para cada día de la semana, es lo que nos propone este combo franco/bielorruso de death metal técnico. Say Yes to Discomfort (el cual, dicho sea de paso, puede ser descargado en la página de la banda) patea con 8 canciones que perfectamente dibujan los siete pecados diarios a los que alude el cuarteto: 1) La destreza técnica, directamente salida de aquellos clásicos de Atheist de principios de los 90´s. 2) Los pasajes atmosféricos que remiten directamente a las composiciones de Pestilence de mediados de los 90´s. 3) Los riffs angulares y disonantes del death metal y el grindcore moderno, léase Antigama y Ulcerate. 4) Pasajes ultra low-end e hiperquinéticos típicos del hyperblast que hiciera famoso Cryptopsy. 5) Gran cantidad de riffs y melodías gancheras, rebajes de medio y/o bajo tempo, como para mover la patita de vez en cuando y descansar las neuronas, brindando equilibrio entre pasajes cerebrales ultra técnicos y pasajes gancheros. 6) Un buen equilibrio entre los solos de guitarra jazzeros al mejor estilo Cynic y los solos de guitarra con gran carga emocional, que también remiten a aquellos clásicos de Florida. 7) Y por último y no menos importante, una buena dosis de riffs entrecortados y percusivos al mejor estilo Messhuggah.
Bueno, veamos. Creo que esta receta cuenta con todos los ingredientes para un disco ganador. Tenemos un buen equilibrio entre elementos del death metal técnico clásico y del death metal técnico contemporáneo. Pero claro, el talento de estos jóvenes músicos no reside en la elección de los ingredientes sino en el proceso de cocción en sí. El buen cocinero del metal debe saber reconocer y abrazar sus influencias, pero también debe poder moldearlas y lograr un plato con identidad propia. Y es aquí donde debemos reconocer la principal virtud de Seven Daily Sins: no nos importa que sean excelentes ejecutores de sus instrumentos (está bien, es un requisito indispensable para este tipo de música) ni que hayan aprendido de los mejores exponentes del género (eso demuestra que tienen buen gusto); nos importa que el producto final sea lo suficientemente interesante e inventivo para que mantenga su identidad propia. Y si a esto le sumamos un producción clara que permite escuchar con lujo de detalles los juegos de platillos, las disonancias de las guitarras y los arreglos de bajo sin tener que esforzar la atención, aquí tenemos un ganador. Muchachos, el futuro es suyo.

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Tzara - The path Most Travelled (Video)

Video del disco Second Hand Thoughts. Canción: The Path Most Travelled (escucharlo acá) Filmado por Victoria Reale, en el C.C. Omar Favero en La Plata, Argentina, durante el 26 de Noviembre del 2010. Editado por Manuel Platino.

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A.L.I. y Lima en vivo en Buenos Aires

Viernes 21 de Octubre – 21 hs ultrapuntual
Centro Cultural Adan Buenos Ayres
Altura Eva Perón 1400 o Asamblea 1200 - Parque Chacabuco
Bajo la Autopista 25 de mayo
Entrada Libre y Gratuita
Las entradas se retiran una hora antes de cada función
Cupos Limitados

Nuevamente LIMA & ALI se presentarán juntos en vivo, esta vez ofreciendo su nueva experiencia multimedia: ELEFANTESIS.
En este nuevo espectáculo, LIMA sorprenderá con el estreno de un material acústico – junto con un dúo de percusionistas – y todo el vigor, la vitalidad y la intensidad de su poderoso y crudo sonido eléctrico, matizado con poemas recitados y escritos por (el poeta) Norberto Rivera y (el poeta, locutor y periodista) Daniel Ballester. Por su parte, ALI estará musicalizando en vivo algunos videos, mientras Vj Dulce enredará toda la experiencia con la proyección de hipnóticas imágenes.

ELEFANTESIS no solo es un recorrido por un conjunto de canciones, recitados y videos: es una entidad única, exclusiva y particular, que permite descubrir múltiples lecturas, experiencias y sensaciones, ya que genera un clima íntimo y personal, en donde el espacio oscuro de la butaca permite el tránsito transformador de quien se deje seducir.

Es importante aclarar que ELEFANTESIS – además de contar en la previa con el Inicio, la promesa del rap – es la primer presentación que LIMA realiza tras la grabación de su segundo disco independiente “Encuentro con el Poeta” – el que puede ser descargado gratuitamente en el link que se encuentra mas abajo y que será regalando al finalizar el show - el que fuera registrado en vivo en el Colon Records, tras la presentación en el Centro Cultural Marcó del Pont del espectáculo “Pase y acérquese al fogón (que es de noche y hace frío)”, en el que la poesía, la actuación y la música se fusionaron en un todo inescindible.

Para contactarte con Lima:

www.lima2.tk
lima.fusion.rock @ gmail.com
lima.fusion.rock @ hotmail.com
Facebook: Lima Banda de Rock
http://www.myspace.com/limafusionrock

Para contactarte con ALI:

http://www.alimusic.tk/
asociacionlibredeideas @ yahoo.com.ar
asociacion.libre.de.ideas @ gmail.com
Facebook: Asociación Libre de Ideas
http://www.myspace.com/asociacionlibredeideas

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Gran Cuervo en vivo en La Plata

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Review: Steps "Idle" (2011)

 Por Fernando Suarez.

-Steps “Idle” (2011)
En la mayoría de los casos, hablar de originalidad en el Rock en general es un tanto complicado y suele ser una búsqueda, cuando menos, estéril y forzada. Soy de la opinión que la identidad musical no es algo que se busca, sino algo que sale de las entrañas y se plasma en la obra sin siquiera esperar la aprobación del ejecutante o el ser creador. Y, si hablamos de personalidad propia y entrañas, entonces tenemos un buen punto de partida para entender lo que expone Steps en este álbum debut. Tenemos que habar de Hardcore pero debemos entender el término en sus acepciones más amplias, las que van de Black Flag a Botch, pasando por Refused, Neurosis, Dead Kennedys, Converge, Fugazi, Defeater, Snapcase, His Hero Is Gone, Blacklisted o Catharsis, las que dejan de lado las poses acartonadas y los manuales de estilo y abrazan una real libertad creativa, las que abrazan tanto la intensidad descarnada como la inteligencia musical, las que hacen hervir la sangre con cada alarido al tiempo que estimulan la imaginación al máximo con deliciosos torrentes de inventiva. Claro, las bandas mencionadas pueden servir (en mayor o menor medida) como referentes aproximados, pero les puedo asegurar que el resultado final no suena como nada que hayan escuchado antes. Estos colombianos se las arreglan para sonar versátiles y sorpresivos sin perder nunca el eje pasional y rabioso de las composiciones, para golpear durísimo en los huesos sin olvidar que las buenas ideas no hacen más que incrementar la potencia y dotarla de necesaria profundidad, para confundirnos con sádicas disonancias y enrosques sin pasarse nunca de listos ni esconder sus emociones detrás de una muralla de sarcasmo o exageraciones poco naturales. No faltará quien note importantes cuotas de Noise-Rock en ciertos riffs, ciertos ritmos, ciertos climas y hasta en la putrefacta distorsión del bajo. No faltará quien prefiera utilizar el término Post-Hardcore, aún cuando las voces gritadas y los momentos más acelerados tal vez no calcen del todo en dicha categoría. El hecho de que en estos nueve temas puedan convivir sin problemas elementos de sub-géneros diferentes, siempre puestos en función de realzar la energía de las canciones y su poderío emocional (y hablo de una vasta gama de emociones), y ayudando a conformar el estilo propio del cuarteto, nos habla de una calidad que no merece quedar restringida dentro de ningún ghetto estilístico. Si bien me resulta frustrante sentir que mis palabras no son suficientes para describir las sensaciones y los estímulos que este maravilloso “Idle” genera dentro mío, no puedo más que insistir para que le den (al menos) una oportunidad. Una de las más gratas revelaciones del año.

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Review: Failure "Magnified" (1994)

 Por Fernando Suarez.

-Failure “Magnified” (1994)
¿Quieren saber por qué “Magnified” es una de las gemas ocultas (bueno, más o menos ocultas. A la manera de un “Spiderland”. O un “The shape of Punk to come”, por ejemplo) más preciosas, enriquecedoras y, sencillamente, adictivas de los noventas? Bueno, claro, en primer lugar (y sin que esto se transforme en una especie de absurdo Boca Vs. River, por favor) por sus canciones. Por esas diez piezas de absoluta perfección Rockera que la componen, por esas melodías que parecen moverse con vida propia y mutar su apariencia y densidad a voluntad, por esa fluidez dinámica que no se traduce meramente en trucos de volumen o burdas nociones de épica para cavernícolas metaleros sin demasiada preparación ni inventiva, por ese gancho que, no por inmediato y absolutamente irresistible, resigna su identidad distintiva y su carácter eternamente complicado y poco conformista, por esa emotividad esquiva e hiriente, que da pinchazos en la mente al tiempo que estruja las entrañas y el alma. Porque Ken Andrews y Greg Edwards (únicos miembros del grupo en momentos de grabar esta placa, con excepción del baterista John Dargahi que colabora en algunos temas) tenían objetivos claros y los medios (creativos e intelectuales) para llevarlos a la práctica de forma impecable y sumamente conmovedora. Allí entran también otras cuestiones que van más allá del núcleo mismo de las canciones. Como el detallista trabajo de texturas de las guitarras, sus arreglos angulares, intrincados, sutiles y armónicos al mismo tiempo, el swing inquieto y contagioso de la base rítmica, el empuje sanguíneo y contundente de las interpretaciones así como su impecable justeza, los climas envolventes y soñadores, las letras ambiguas y cargadas de cruda poesía descorazonada, los juegos vocales que hacen que nuestros pies se eleven unos centímetros por sobre el nivel del suelo, los arpegios y las melodías que se clavan como dagas en el corazón, los graves rugosos que revuelven el estómago, y esa persistente sensación de pesadez etérea que domina toda la placa y constituye uno de sus principales atractivos. Por supuesto, podemos trazar los esperables paralelos con contemporáneos de similar sensibilidad artística y sonora como Hum, Shiner (y su secuela en The Life And Times) o Castor, así como con el Cave In (chequeen la versión que los bostonianos realizan del tema que da nombre al disco que nos ocupa, en su ep “Creative eclipses” de 1999) más melódico y accesible, o mencionar sus conexiones (y las loas que Failure a recibido por su parte) con nombres de mayor popularidad como Tool, Queens Of The Stone Age y A Perfect Circle. Podemos, si no, hablar de una cruza entre el nervio emotivo y nerd al mismo tiempo del Post-Hardcore, la expansión alucinógena del Space-Rock, la dulzura melódica del Pop, el riffeo nublado y mugriento del Grunge, las vueltas inesperadas y el sadismo controlado del Rock Progresivo más guitarrero, unos bajos distorsionados que no hubieran desentonado en los exponentes menos amables del Noise-Rock de Chicago (o de dónde fuera), y las delicadas arquitecturas de ruido aterciopelado del Shoegaze. En fin, lo único que realmente importa aquí, lo único que puede llegar a servir como respuesta a la pregunta planteada inicialmente en esta reseña, es que se presten en cuerpo, mente y alma, y sin distracciones, a la tarea de dejarse encantar por esta auténtica obra maestra.

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Review: Helium "The magic city" (1997)

 Por Fernando Suarez.

-Helium “The magic city” (1997)
Colores pastel, unicornios, corazones, castillos, elfos, verdes praderas, arco iris, mandolinas, chamberlines (el precursor directo del mellotron), violines, trompetas, teclados añejos, mariposas, flores, estrellas, dragones y hasta alguna que otra melodía con aroma a feria medieval. ¿Es posible que, con todos esos elementos, estemos hablando de un grupo de Rock típicamente noventoso y con raíces Punks? Claro, si tenemos en cuenta que la vocalista, guitarrista y líder espiritual, Mary Timony, venía de tocar en Autoclave (probablemente el primer grupo de Math-Rock compuesto íntegramente por mujeres) y que el bajista Ash Bowie (novio de Timony en esos años) compartía su tiempo con los contracturados Math-rockers de Polvo, entonces ya no se hace tan extraña esa apropiación de las extravagancias más coloridas del Rock Progresivo dentro de un contexto de crudeza y desnudez emocional más afín al costado más Punky del Indie-Rock. Más importante aún es el hecho de que Helium lograra aunar esos dos universos, en apariencia antagónicos, de forma natural y fluida, sin forzarse en pastiches poco elegantes o faltos de intensidad, y manteniendo (aún con su importante cuota de delirio instrumental) un profundo respeto por las canciones mismas. Es cierto que, más allá de las referencias setentosas debidamente tergiversadas, se podían hallar puntos en común con grupos como Sonic Youth (sobre todo en algunos enrosques guitarrísticos y el empleo de afinaciones no convencionales), The Breeders (cuando arreciaba la dulzura melódica más inmediata), Throwing Muses (cierto malicioso dramatismo romántico) o Shudder To Think (casualmente, Timony compartiría un muy recomendable proyecto con Nathan Larson, guitarrista de estos últimos, llamado Mind Science Of The Mind), pero la identidad del trío (que se completaba con la baterista Shawn King Devlin, ex integrante de Dumptruck, pioneros del Indie-Rock de mediados de los ochentas) brillaba con luz propia, en especial gracias a la personal voz de la bella Mary (poseedora de un timbre endiabladamente atractivo, por momentos similar al de Shirley Manson), a su excelencia en el dominio de las seis cuerdas y a su iluminada sensibilidad compositiva. Y es que la magia se hace presente aquí, en canciones que se disfrazan de vistosas fantasías pero esconden un corazón ardiente y cargado de emociones agridulces y contradictorias. Una auténtica pieza de arte, recomendable para todo aquel que aprecia la música, más allá de rótulos y épocas.

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Review: Slint "Spiderland" (1991)

 Por Fernando Suarez.

-Slint “Spiderland” (1991)
Pasan cosas extrañas aquí. Y no de esas que son simpáticas o que nos hacen pensar “qué curioso” con gesto caricaturesco. Extrañas de esas que realmente no entendemos y nos interpelan y nos confrontan con otras cosas que preferiríamos dejar en otro lado. Miradas torvas, gestos que ondulan entre la culpa y el odio más profundo, pasos en círculos concéntricos, visiones borrosas que raspan las entrañas, venas inflamadas y confusos choques de carne y sudor. La tierra de arañas puede ser nuestra propia tierra. O puede ser otra cosa, cualquier cosa. No importa. Sea lo que sea, es algo que duele y que hay que atravesar. No sirve tratar de eludirlo con sonrisas fingidas ni ánimos adormecidos, es inútil intentar engañarlo con muecas sobradoras y miradas displicentes, no va a desaparecer sólo porque cerremos nuestros ojos hasta dejarlos secos e insensibles. Todo lo que sucede aquí (lo bueno y lo malo...pero todos sabemos cómo termina la historia) es nuestro, cada nota es una fracción del entramado, aparentemente infinito, de nuestra existencia. Y los espejos podrán ser algo horrible pero destruirlos no va a destruir la imagen que ellos reflejan. Nuestros avances sinuosos, nuestra inefabilidad, nuestra voracidad, nuestra falta de templanza...lo qué sea que estas intrincadas pinturas musicales les hagan ver. La criatura que sea que estas guitarras seducen con envenenada lengua para que asome la cabeza y así poder devorársela. El latir moribundo con el que la base rítmica nos engaña, envolviendo los sentidos con brumas agridulces, sólo para luego despertarlos a los gritos y entre inesperados puntapiés. El nudo en el estómago que guía a esas descorazonadoras recitaciones, ese que sólo sabe tensarse hasta que el padecimiento se vuelve insoportable y sólo queda aullar. Y luego contemplar la carne chamuscada y magullada desde adentro hacia afuera. Desde casi el silencio hasta casi el límite humanamente tolerable de intensidad. Esto no es un tratado de dinámica musical, es el fluctuar de la vida misma en desgarrador blanco y negro, tan descolorido como sobrecargado de matices y texturas. Tan reconfortante en su sadismo como amenazador en su honestidad y absolutamente adictivo. Necesario como el propio aire que respiramos, elevador y terminante al mismo tiempo, fantasmal y concreto como un filo sobre las muñecas, quebrado y endurecido por esta entrega liberadora y pura, de esa pureza tan sucia, tan humana. Tan divina, seguramente.

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Review: Calma "En esta tarde gris" (2011)

 Por Fernando Suarez.

-Calma “En esta tarde gris” (2011)
La ciudad pesa sobre nuestros hombros, su inconmovible mirada gris nos sigue de forma opresiva y sus ásperas geometrías nos dañan el alma. Aquí están los sonidos de esta ciudad, los que en otras épocas pertenecían a otras músicas pero ahora nos pertenecen. Y sin necesidad de forzar híbridos con más estudio de marketing y pose cool que música en sí misma. Sin siquiera tocar un acorde que pueda remitir a esos horribles pastiches tangueros/rockeros o tangueros/electrónicos, Calma se las arregla para transmitir con apabullante intensidad las sensaciones grises (claro) y ásperas que los paisajes y las vicisitudes urbanas apilan en nuestro interior. ¿Quién hubiera pensado que los sonidos más oscuros y avanzados (musicalmente hablando) del Hardcore de los noventas servirían como marco sonoro tan exacto para esta desazón porteña? Así como, en algún momento, Kyuss trasladó las herrumbrosas y fabriles visiones de cuatro obreros de Birmingham al vasto desierto de su Palms Spring natal, este quinteto hace algo similar con los sonidos de bandas como Unbroken (sí, todavía tengo fresco el recuerdo del tremendo show que dieron en nuestras tierras hace unos pocos días), Threadbare, Refused, Quicksand o Mean Season, pero colocándolos con absoluta precisión sobre el entramado opaco de nuestro “Buenos Aires querido”. Insisto, ni siquiera necesitan caer en la poca elegancia de intentar imitar un estilo tanguero en sus letras o pavadas por el estilo. Es que, en última instancia, estamos hablando de emociones universales, de un dolor inapelable y sanguíneo, que trasciende fronteras pero se presenta con completa honestidad. Y también estamos hablando de música, estamos hablando de cuatro temas que bordean la perfección, con un trabajo de guitarras y bajo que estimula tremendamente la imaginación al tiempo que propina fuertes puntapiés en el estómago, con riffs excelentes adornados de ricas armonías y arreglos interesantísimos, con un afilado instinto dinámico y un sabio manejo de tensiones y liberaciones, con una base rítmica sólida, potente y con el grado justo y necesario de versatilidad como para no decaer nunca, con una voz que suple sus limitaciones técnicas (mejor dicho, serían las preferencias estilísticas, nadie pretende un Mike Patton para este tipo de música) con una energía y una expresividad desgarradoras (ayuda aquí la notable factura de las letras, un punto que, lamentablemente, no muchas bandas vernáculas del estilo manejan demasiado bien), con interpretaciones ajustadas, creativas y vigorosas al mismo tiempo, y con un nivel compositivo capaz de rivalizar con cualquier exponente primermundista de cualquier época. En fin, como suele suceder, se me hacen flojas e incompletas mis palabras para describir la magnitud y el ardor de lo que estas canciones generan en mí. Háganse un favor y compruébenlo ustedes también por su cuenta.

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