Zann's Music

Reviews express

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 31 May 2012 12:33:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-Alloy “Alloy” (1993)
Si tenemos en cuenta que, durante los ochentas y al frente de Articles Of Faith, Vic Bondi (tantos chistes que se pueden hacer con ese apellido...) ya se había adelantado a mucho de lo que luego se conocería como Post-Hardcore (mayor apertura compositiva, melodías emotivas, variantes rítmicas y armónicas inesperadas), no es de extrañar que una de sus aventuras musicales en los noventas (entre 1989 y 1992 lideró Jones Very, otro grupo extremadamente recomendable) suene como una especie de Fugazi con guitarras más duras y un mayor cuidado en las melodías vocales. Todo con la inconfundible impronta del buen Bondi, claro que sí.

-Guzzard “Quick, fast, in a hurry” (1995)
Un trío oriundo del medioeste norteamericano y editado, entre principios y mediados de los noventas, por el sello Amphetamine Reptile. No es ninguna sorpresa que remitan a un punto intermedio entre los momentos más sueltos de Helmet, los más accesibles de Unsane (si es que eso tiene algún sentido) y los más quilomberos de Nirvana.

-Whirlpool “Whirlpool” (1995)
Proyecto conformado por miembros de Final Conflict, Outspoken, Mean Season, Reason To Believe y Sense Field. No, nada de Hardcore por aquí. En todo caso, esto es lo que sucede cuando un grupo de chicos Hardcore pasa demasiado tiempo escuchando a los Pixies.

-Chavez “Ride the fader” (1996)
A veces me da la sensación de que Chavez es una banda más conocida por rebote (por sus conexiones con gente como Billy Corgan, Dave Grohl, Will Oldham o Johnny Cash, entre otros) que por sus propios méritos. Méritos, por cierto, que se hacen evidentes al escuchar este genial segundo disco. Para los amantes de grupos como Failure, Hum, Shiner o Castor (ya saben, esa especie de Post-Hardcore que flirtea con elaboraciones casi Progresivas al tiempo que se eleva en preciosas melodías de corazón Pop y sabor cósmico), esta es una imprescindible adición.

-New Sweet Breath “Demolition theater” (1996)
¿Una banda de Seattle, de los noventas, que no hacía Grunge (y al que se le ocurra mencionar a Sanctuary, por favor, que salga de mi vista)? Bueno, tampoco estaban tan alejados. Digamos que estos muchachos pasaron más tiempo escuchando el “New day rising” de Hüsker Dü que el “My war” de Black Flag. Catorce temas en menos de media hora de pura dicha Punk-Popera desgarrada y efervescente.

-Dead Fucking Last “Grateful” (1997)
Dieron sus primeros pasos discográficos de la mano de Grand Royal (el sello de los Beastie Boys), tuvieron a Adam Horovitz (a.k.a. Ad-Rock) en sus filas como bajista y él mismo les produjo su segundo disco (“Proud to be”, editado por Epitaph en 1995) aún cuando ya no formaba parte del grupo. Cono todo esto, no es de extrañar que el sonido de estos oriundos de Los Angeles remita inevitablemente al costado Hardcore/Punk de los Beasties, con esa frescura excitante, juvenil y despreocupada, ideal para imaginarse surcando la ciudad a toda velocidad sobre una tabla de skate.

-Flux “Protoplasmic” (1997)
James Plotkin es generalmente reconocido como uno de los nombres más influyentes y personales dentro de la música extrema en general, en especial gracias a su labor en grupos como O.L.D., Khanate, Phantomsmasher, Khlyst o Jodis, así como en sus aventuras solistas siempre cercanas a la experimentación más ruidosa y abstracta. Bien, aquí se juntaba con la vocalista/letrista Ruth Collins y (con Mick “Human Tornado” Harris oficiando de productor) se metía de cabeza en un extraño viaje musical, donde duras (pero no rígidas) bases programadas convivían con bajos profundos, guitarras voladoras (con el espíritu de Robert Fripp sobrevolando en más de una ocasión), complejos contrapuntos y texturas, y melodías Pop de sabor agridulce. Lejos del ruido pero con la inventiva de siempre, Plotkin lograba uno de esos trabajos que (aún hoy en día) cuentan con el privilegio de sonar absolutamente originales.

-The Letter E “No. 5ive longplayer” (2000)
Si menciono a Sean Meadows (miembro de luminarias como Lungfish, June Of 44 y The Sonora Pine, entre otras) como parte fundamental de este cuarteto radicado en Brooklyn, no sería extraño que términos como Post-Rock, Math-Rock o Post-Hardcore se hagan presentes de inmediato. Más allá de rótulos y pergaminos, lo que aquí tenemos es un discazo de Rock instrumental, tremendamente cerebral e intrincado sin por ello perder de vista la emoción melódica, variado en su elección de formas y texturas pero provisto de una identidad innegable y una embriagadora profundidad musical.

-Eldopa “The complete recordings” (2006)
Oakland debe (o debía) ser un lugar jodido. Como si Neurosis y Buzzov-En no fueran suficiente, ahí teníamos (a mediados de los noventas) a Eldopa para profundizar en las zonas más sórdidas del espíritu humano a puro acople, riff mugriento y grito pelado. Como su título así lo indica, aquí tenemos todo registro discográfico del cuarteto, una auténtica panzada de Sludge, Crust y Hardcore desesperado, violento y nihilista.

-No Joy “Ghost blonde” (2010)
Una bola de ruido de belleza cegadora. Ok, se aprendieron de memoria el buen manual de My Bloody Valentine, The Jesus & Mary Chain, Sonic Youth, The Cure, Teenage Fanclub, Slowdive, Codeine y Low, pero lo reinterpretaron en canciones tan redondas, adorables (bueno, a veces se ponen inquietantes pero de una forma más sensual que ominosa o agresiva) e infecciosas que no queda otra más que darles la derecha, la izquierda y todas las que encuentren.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 28 May 2012 12:38:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-Brad “United we stand” (2012)
Sin demasiadas sorpresas, pero sin perder sus cualidades, el proyecto liderado por Stone Gossard (ya saben, guitarrista de Pearl Jam) nos entrega otra colección de canciones agradables y espontáneas. Casi como una versión más clásica (en términos de Rock, claro está) y despreocupada de su banda madre.

-Damages “Indignation” (2012)
Allí donde el Post-Hardcore, el Noise-Rock y el Hardcore a secas (si es que así se puede llamar a bandas como Shotmaker o Deadguy) se dan la mano y potencian sus aspectos más catárticos, Damages hace su trabajo. Música en estado de emoción violenta.

-Gypsy “Giant’s despair” (2012)
Los chicos rudos también tienen su lado sensible. Miembros de Cold World, Mother Of Mercy y Stick Together (todas bandas afiliadas al costado más machote del Hardcore) dan rienda suelta a su amor por Jawbreaker (en especial la época de “Dear you”), logrando una mímesis (en especial en el terreno vocal) notable. Cero originalidad pero efectivo casi al cien por ciento.

-KTL “V” (2012)
Stepehen O’Malley (aquí junto a Peter Rehberg) se mantiene en su zona de confort, entregando las mismas atmósferas siniestras que encontrábamos en los previos discos de KTL. Por un lado, no se puede negar que el tipo maneja este tipo de música (Dark Ambient, Drone, Noise, llámenla cómo quieran) a la perfección. Por el otro, es alarmante la estrechez estilística en la que se maneja, en especial si, se supone, se trata de un artista “experimental”.

-Leech “If we get there one day, would you please open the gates?” (2012)
Con más de quince años de carrera sobre sus espaldas, no se puede decir que estos suizos sean unos recién llegados en el mundo del Post-Rock. Es más, siendo contemporáneos de popes del género como Mogwai o Godspeed You! Black Emperor, habría que tomar con pinzas las similitudes que se puedan hallar con ellos. En última instancia, es el innegable peso de las composiciones el que hace de éste un material sumamente recomendable para amantes del estilo.

-Old Man Gloom “No” (2012)
Ocho años pasaron desde su anterior placa (“Christmas”) y, en ese interín, el mundo se plagó de bandas mediocres que exprimieron el Sludge (y aledaños) hasta, prácticamente, vaciarlo de contenido. Por suerte, EL supergrupo (con gente de Isis, Converge y Cave In, entre otros, el rótulo es necesario) del estilo ha decidido volver y, claro que sí, mostrar cómo se hace. Como siempre, balanceando los catárticos ataques de magma distorsionada y alaridos viscerales con pasajes de abstracción ambiental y enfermantes disonancias (por no hablar de esas incursiones acústicas que me excitan como a una quinceañera), Old Man Gloom se encarga de cuidar el fuego Neurosiesco, al menos hasta que Steve Von Till y los suyos editen su esperado nuevo disco.

-Oyaarss “Bads” (2012)
Electrónica puesta al servicio de las más profundas sensaciones misantrópicas. Los aspectos más perversamente cerebrales del Dubstep y la IDM forzados a través de un denso filtro de ruido Industrial, en pos de generar sobrecogedoras visiones distópicas y atravesar la espina dorsal con heladas puñaladas sónicas.

-Silversun Pickups “Neck of the woods” (2012)
Si, hasta ahora, podíamos ver a Silversun Pickups como una puesta al día de los Smashing Pumpkins de la época del monumental “Siamese dream”, este nuevo trabajo oficia como puente imaginario entre aquel estilo y el expuesto en “Adore”, bajando un tanto la distorsión y abriendo la puerta a una oscuridad más marcada (y algo ochentosa) y adornada por ocasionales arreglos electrónicos (o sea, Depeche Mode).

-Social Suicide “A genetic hoax” (2012)
El nombre podrá remitir a Bad Religion pero lo de estos cuatro jóvenes noruegos poco y nada tiene que ver con el sonido melódico del profe Graffin y compañía. Esto es Hardcore rabioso, gritón y moderno, en la vena de gente como Killing The Dream, Comeback Kid, I Adapt o Swamp Thing pero, aún así, con personalidad propia. Esto significa que pueden jugar con ideas más elaboradas, variadas y de mayor profundidad musical (a lo dicho, sumen algún que otro momento a la Converge) sin que ello signifique disminuir la intensidad que debería caracterizar al género.

-This Lonely Crowd “Doppeldanger and other delicious secrets” (2012)
Compilado de rarezas de este quinteto carioca volcado a una especie de Shoegaze robusto, potente (alguien dijo por ahí que sonaban como una cruza entre Slowdive y Smashing Pumpkins) y de personalidad bastante arisca y caótica. Es que, al margen de ciertos flirteos con el Post-Rock, el Noise y hasta algo de Metal noventoso, no es muy común encontrar en un mismo disco versiones (respetuosas, vale aclarar) de Depeche Mode y Napalm Death. Ah, lo edita la gente de Sinewave, así que lo pueden bajar gratis en su página web: www.sinewave.com.br.

Lengua Mortuoria vs. Motociclistas Suicidas en el Círculo de la Muerte

noreply@blogger.com (Manuel) — Fri, 25 May 2012 03:20:00 +0000

Dos bandas amigas unen fuerzas para molestar a sus oyentes.
El resultado se puede escuchar en este Split, lleno de drones, riffs industriales, dumbetas y mucho ruido.
Todo aquel interesado en escuchar esto, puede adquirirlo en forma de cassette en Ydnirgal Producciones.
Pronto por Zann's en versión digital y CDR.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 24 May 2012 15:30:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-Tumor Circus “Tumor circus” (1991)
El gran Jello Biafra (no hace falta que explique quién es, ¿no?) se juntaba con los Noise-rockers de Steel Pole Bath Tub y el guitarrista Charles Tolnay, y ponía su siempre electrizante voz y sus siempre punzantes textos al servicio de un Noise-Rock (claro) mugriento, por momentos histérico y Punky, y en otros denso y asfixiante. No es de los proyectos más conocidos del ex líder de Dead Kennedys pero vale la pena rastrearlo.

-Sonic Violence “Transfixion” (1992)
Estos británicos formaron parte (junto a nombres como Dead World, Spine Wrench, Skin Chamber o los primeros Pitch Shifter) de una suerte de mini tendencia que se dio a principios de los noventas y que, básicamente, consistía en emular al primer Godflesh. Y no hay nada de malo en eso. Para mejor, en esta segunda entrega discográfica ampliaban la paleta sonora con algo de Revolting Cocks, Big Black y Swans (bueno, todo sigue en familia, por así decirlo), y alcanzaban algo parecido a un sonido propio.

-Bivouac “Tuber” (1993)
El nombre del grupo remite inmediatamente a Jawbreaker pero la música de este trío británico estaba más cerca del Rock americano noventoso de bandas como Sugar, Superchunk o Buffalo Tom. O sea, guitarras fuertes, bases energéticas, melodías tan bellas como emotivas y espíritu Punk al servicio de canciones atemporales.

-State Of The Nation “Objective complete” (1994)
Trío conformado por ex miembros de Inside Out, Hardstance y Farside, volcado a un Post-Hardcore de alto contenido melódico y fuertes convicciones políticas. Podemos citar influencias de Quicksand, Ignition, Jawbox o Fugazi, como así también del Revolution Summer Washingtoniano de mediados de los ochentas (en especial los sonidos más armoniosos de bandas como Three, Marginal Man o Rain, aunque adaptados a este contexto noventoso, desde ya) pero, de todas formas, el resultado final es lo suficientemente personal y logra sacudir a base de buenas canciones, construidas de forma inteligente y emotiva.

-Morgoth “Feel sorry for the fanatic” (1996)
¿Qué pasa cuando un grupo de alemanotes Deathmetaleros escuchan demasiado Killing Joke? Les sale un discazo como éste que, ya desde el título, anuncia su ruptura definitiva con el Death y confirma las sospechas que había levantado el previo (y absolutamente recomendable) “Odium”.

-Brick “Volvoland” (1997)
La versión sueca de The Jesus Lizard. Si eso es un elogio o no, depende del lector. Por las dudas, agreguen un poco (pero no demasiado, que no quede duda de cuál era la principal fuente de inspiración de Brick) de Shellac y Fugazi... y tampoco no fuimos muy lejos, qué digamos.

-Red Aunts “Ghetto blaster” (1998)
A esta altura, el término Riot Grrrl no es más que otro nicho dentro del mercado Rockero. Ahora bien, si hablamos de Punk-Rock salvaje, intenso, directo y hecho por chicas durante los noventas, y si tenemos a nombres como Bikini Kill, Slant 6, The Gits, Instant Girl, Tribe 8 o Heavens To Betsy en alta estima, no pueden faltar estas cuatro californianas y estas doce irresistibles descargas de electricidad con las que se despidieron del mundo.

-Echo Is Your Love “Sheets of blank fucking paper” (2000)
No todo es Metal Gótico y Power Metal en la fría Finlandia. Este quinteto (que sigue activo hasta el día de hoy) debutaba con ocho canciones donde exponían, sin fisuras y con un personal sentido de búsqueda (por no hablar de su destacado manejo de tensiones y movimientos dinámicos), su amor por grupos como Sonic Youth (en especial gracias al complejo y disonante trabajo de sus guitarristas) y Blonde Redhead (en especial gracias a la inquietante pero melódica voz de su cantante, Nea Helsto).

-Black Cross “Art offensive” (2003)
No son muchos los grupos que pueden enarbolar influencias tan variadas como Black Flag, Fugazi, Converge, Squirrel Bait, Unsane, Motörhead, Rites Of Spring, Nausea, Hüsker Dü, Drive Like Jehu o Swiz sin que el resultado final sea un pastiche infame e impersonal de elementos dispares e inconexos. Pero, claro, aquí teníamos a gente que luego encontraríamos también en grupos como Coliseum, Black God o Young Widows, así que no deberíamos sorprendernos demasiado. Una descontrolada bola de energía Punk (en lo más amplio del término) que pasa del extremismo a la melodía, del desenfreno a la emoción y de la brutalidad a la inteligencia sin resignar su identidad musical ni bajar el afiebrado nivel de intensidad.

-Cloak “Versus grain” (2009)
Nunca está de más una pequeña sesión de beats chirriantes e hipnóticos, graves putrefactos y atmósferas tortuosas en general. Esto es Dubstep bien oscuro, mugriento (se nota el amor por los exponentes Industriales más corrosivos) y, encima, viene recomendado por el mismísimo Justin Broadrick (que un poquito sabe del tema), así que, como diría Skinner, “dijo que no hay falla”.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 21 May 2012 12:42:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-Heavy Blanket “Heavy blanket” (2012)
Era hora de que J Mascis tuviera un grupo donde pudiera regodearse en la más absoluta autoindulgencia guitarrera. Supuestamente postergado desde 1984 (tras la disolución de Deep Wound y el hartazgo de Mascis con respecto al Hardcore), Heavy Blanket es un trío instrumental básico (guitarra, bajo y batería) que nos presenta seis zapadas bien rifferas, de sabor Stoner y plagadas de esos solos interminables que tanto le gustan al canoso líder de Dinosaur Jr.

-Helios “Moiety” (2012)
Keith Kenniff continúa con las mismas premisas que se planteó para Helios (su principal proyecto) hace unos ocho años: paisajes bucólicos, preciosismo armónico, calma reflexiva, un leve tinte melancólico y melodías tan bellas que rozan la grasada absoluta (y lo digo como un elogio). Nada de estridencias ni revulsiones (y Breton se puede meter su manifiesto bien en el orto), casi media hora de música para suavizar el alma.

-Horseback “Half blood” (2012)
Si me venden un disco como una versión Neurosiesca de Neil Young (algo parecido dice la gacetilla del sello discográfico, Relapse), yo compro sin dudarlo. Claro, la cosa no es tan buena como uno podría imaginar con semejante descripción. Esto es, básicamente, una aceptable mixtura de Drone, Post-Rock, Psicodelia, Noise y Black Metal, teñida de ciertas influencias Folkys muy en la línea del Earth de los últimos años. Todo viene bastante bien hasta que las voces de bruja Cachavacha arruinan los más que interesantes climas y texturas que generan los instrumentos.

-Hot Water Music “Exister” (2012)
Hot Water Music puede separarse y juntarse todas las veces que quiera, el fuego en sus entrañas nunca se apagará. Sus indestructibles himnos Punks están hechos de pura pasión y raspan en esa parte del espíritu que nos hace humanos hasta exponer nuestros propios corazones de forma descarnada y tierna al mismo tiempo. Siguiendo allí donde dejaron las cosas con “The new what next” (2004) y sumando lo aprendido (en especial en el terreno melódico, cada vez más teñido de áspera emotividad Folk) en las aventuras solistas de sus dos cantantes, “Exister” nos da trece nuevas razones para seguir respirando, ni más ni menos.

-John Zorn “Nosferatu” (2012)
Música compuesta originalmente para una versión teatral polaca (ay, estos artistas de vanguardia...) del clásico vampírico de Bram Stoker (como dato de color, el disco salió a la venta conmemorando los cien años de la muerte de éste último). En dieciséis temas, el siempre prolífico e inquieto Zorn (aquí acompañado por Bill Laswell en bajo, Rob Burger en piano y órgano, y Kevin Norton en percusiones varias) despliega su habitual eclecticismo (desde el Jazz más delicado a los arranques de histeria ruidosa, pasando por abstracciones ambientales, complejidades neo-clásicas y hasta algo de Dub), manteniendo en todo momento el clima misterioso, nocturno y siniestro que semejante inspiración requiere.

-Joyce Manor “Of all things I will soon grow tired” (2012)
Punk-Pop de bordes rasposos y alta carga emocional, siguiendo los pasos de clásicos de los noventas como J Church o Jawbreaker, más el agregado de acercamientos al costado más crudo y Lo-fi del Indie-Rock y a ciertos modismos del Post-Punk ochentoso y la New Wave. Son nueve temas en menos de quince minutos, algunos exhiben un potencial más que admirable, y en otros se percibe una alarmante falta de sustancia que hace que el excesivo hypeo se vuelva aún más irritante.

-Off! “Off!” (2012)
Los vejetes Punks siguen pateando culos con la intensidad y la frescura que nunca perdieron. Dieciséis temas en igual cantidad de minutos y el que no salta y se sacude como un poseso es porque no le corre sangre por las venas.

-P.H.O.B.O.S. “Atonal hypermnesia” (2012)
Estos franceses fueron de los primeros en acercar el espíritu misantrópico del Black Metal a las herrumbrosas elucubraciones apocalípticas del primer Godflesh y no debe ser casualidad que tomen su nombre del que probablemente sea el disco más denso e intrincado (por no hablar de infravalorado) de los legendarios Voivod. Aquí vuelven a pintar desesperantes entropías en ásperos tonos grises, explayándose en cuatro extensas composiciones (ninguna baja de los trece minutos de duración) donde encontraremos todos los ritmos mecanizados, las disonancias, las voces procesadas y los climas opresivos que cualquier amante del clásico “Streetcleaner” debería saber apreciar.

-Retisonic “Robots fucking” (2012)
Hace más de diez años que Jason Farrell vive en New York pero se nota que todavía lleva a Washington (especialmente a Dischord, Fugazi y Jawbox) en el corazón. Ok, se tomó ocho años para entregarnos un nuevo larga duración de Retisonic (la banda que lidera desde que disolvió en 2001 a los geniales Bluetip) pero la espera valió la pena. Y con creces. Doce nuevas maravillas compositivas de perfección Post-Hardcorera e invencible gancho Pop. De recontracabeza a lo mejor del año.

-Snail “Terminus” (2012)
Desde el título del disco y su arte de tapa, ya se nota una clara intención por parte de Snail de entrar a terrenos más épicos y monolíticos dentro de su particular combinación de gorda densidad Sabbáthica, rebusques Melvinescos y precioso melodicismo psicodélico. En el trayecto caen en algunos lugares comunes del Stoner y el Grunge más pesado (hay momentos muuuuy parecidos al Alice In Chains de “Dirt”) pero, de todas formas, siguen deslumbrando con canciones tan voladas como redondas y esos coros irresistibles, mezcla de Beatles, Pink Floyd, Meat Puppets y los mencionados Alice In Chains.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 17 May 2012 23:50:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-No Trend “Too many humans” (1984)
Clásico, injustamente ignorado, del costado más misantrópico, ruidoso y enfermizo del Punk americano de los ochentas, y claro referente de lo que luego se conocería como Noise-Rock. Como unos Flipper más histéricos o unos Butthole Surfers más enfocados y rabiosos, pero provistos de personalidad e ideas propias. Y el hecho de que en una de sus letras se los escuche repetir escuche la frase “you breed like rats” ya hace que los quiera mucho más.

-Drop Acid “Making god smile” (1991)
En uno de sus descansos de 7 Seconds, su líder Kevin Seconds formó este trío con el cual combinó la impronta melódica y emotiva expuesta por su anterior banda a fines de los ochentas (en discazos como “Ourselves” o “Soulforce revolution”) con cierto groove muscular afín a lo que el gran público comenzaba a conocer, por esos años, como Grunge. La cosa duró poco (en 1993, 7 Seconds retomaba su actividad con “Out the shizzy”, un álbum que, casualmente, parecía seguir la línea de estos Drop Acid) pero, a más de veinte años de su lanzamiento, este único larga duración se mantiene como una necesaria adición para el siempre energizante cancionero del Señor Segundos.

-Outface “Friendly green” (1992)
Antes de arruinar a Sepultura (bueno, en realidad la culpa le cabe a Andreas Kisser, pero en fin), Derrick Green se desempeñaba al frente de este grupo (usando el seudónimo Simon Verde), que también contaba en sus filas con futuros miembros de CIV y Filter. El resultado era una buena reinterpretación, de tintes noventosos, de las mejores lecciones de los legendarios Bad Brains. ¿Supergrupo en una dimensión paralela o mera curiosidad? Ustedes deciden.

-Les Thugs “As happy as possible” (1993)
Los memoriosos Punks recordarán a estos franceses por su genial versión de “Moon over Marin” de los Dead Kennedys pero lo cierto es que, en sus dieciséis años de carrera (1983 a 1999), lograron destacarse con un sonido sumamente personal, algo así como una cruza entre los himnos acelerados de Bad Religion, la ensoñación estrepitosa de My Bloody Valentine y la inteligencia guitarrística de Sonic Youth. Más que suficiente para mojar mis pantalones.

-Ultra Bidé “God is god, puke is puke” (1995)
Tres japoneses del bocho, vaya novedad, y encima apadrinados por Alternative Tentacles. Como para que se hagan una idea, esto sería como un Shellac alucinógeno y efervescente, coloreado con esa insana diversión nipona que tanto nos gusta y condimentado con algo del virtuosismo psicótico de unos NoMeansNo.

-Thought Industry “Outer space is just a martini away” (1996)
Una pieza musical tan compleja, imprescindible, estimulante, movilizadora y profunda que cualquier cosa que intente escribir va a quedar, indefectiblemente, corta. Si cuentan a discos como “Angel dust” o “Nothingface” entre sus preferidos, he aquí una pieza fundamental del rompecabezas.

-X Milk “Scarcity” (1998)
La península ibérica tal vez no sea reconocida por una prolífica producción en lo que a Hardcore tradicional se refiere pero, en esta segunda y última (luego tendrían su discografía completa editada en un único cd) placa de los catalanes X Milk, tiene un excelente representante. Bueno, lo de “tradicional” habría que replantearlo. Si bien el cover de “New direction” de Gorilla Biscuits, escondido al final del disco, no nos permite ignorar sus raíces, el sonido ajustado, técnico, levemente metalizado, adornado de chispazos melódicos y casi bordeando lo caótico nos remite más a bandas como Shai Hulud o American Nightmare/Give Up The Ghost, así como a referentes del Umeå Hardcore como Abhinanda, Final Exit y los Refused pre-“The shape of Punk to come”. Una bomba de adrenalina, apta para disfrutarla con o sin equis en los puños.

-Ancient Chinese Secret “Caveat Emptor” (2000)
Matt Martin (baterista de Capitalist Casualties), Chris Dodge (líder de Spazz, fundador del sello Slap-A-Ham, entre otras ocupaciones) y su esposa Lydia conformaban este fugaz proyecto que, en teoría, podría ser el sueño húmedo de cualquier amante del Powerviolence que se precie de tal. En la práctica, es una suerte de reinterpretación “poderviolenta” de las enseñanzas de dementes nipones como Ruins, Melt Banana o los primeros Boredoms, plagada de riffs enroscados, ruiditos psicóticos, ritmos esquizofrénicos, y coronada por la voz Punky de la señora de Dodge. Casi un anticipo de lo que luego el mismo Chris haría, junto al monumental Dave Witte, en East-West Blast Test.

-Audio Learning Center “Friendships often fade away” (2002)
Tras la disolución de Pond, el bajista y vocalista Chris Brady forma este nuevo trío (donde también encontramos a Steven Birch, ex guitarrista de Sprinkler) que lo encuentra dejando atrás sus lazos con el Grunge y adentrándose en terrenos más afines a una suerte de Emo (piensen en Sunny Day Real Estate o los momentos más aplomados de The Get Up Kids) maduro, bien elaborado y tremendamente conmovedor. Rock adulto con las emociones a flor de piel.

-YOGA “Megafauna” (2009)
Si piensan que la tapa de este disco es perturbadora, esperen a escuchar lo que hay dentro de él. Imaginen el costado más jodido y siniestro de bandas como Gnaw Their Tongues o Wold, súmenle una dosis extra de LSD y aún así estarán lejos. Probablemente el disco más atemorizante que se haya editado jamás.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 14 May 2012 13:00:00 +0000

Por Fernando Suarez.

-Clubroot “III-MMXII” (2012)
Melancolía urbana, beats aletargados, graves casi subliminales, climas embotadores...sí, estamos hablando de Dusbtep. Del más melódico (por así llamarlo) y emocional, con más de una deuda a Burial (¿quién, dentro de este sub-género, no la tiene?) y una prominente labor de teclados que van de la abstracción al melodrama casi sin inmutarse.

-Earth “Angels of darkness, demons of light II” (2012)
Si la primera parte de este “Angels of darkness, demons of light” (editada el año pasado) ya había encendido una pequeña luz de alarma en lo que respecta a ideas frescas, gancho e intensidad, aquí la cosa se pone un tanto preocupante. No me quejo de que Dylan Carlson y los suyos se mantengan dentro de parámetros estilísticos bastante rígidos (al fin y al cabo, son los mismos parámetros que nos dieron obras maestras como “Hex: Or printing in the infernal method” y “The bees made honey in the lion’s skull”), sino de la falta de chispa que exponen estas nuevas composiciones. Insisto, no es un mal disco pero, a esta altura, uno espera más de un grupo como Earth.

-JK Flesh “Posthuman” (2012)
¿Puede ser qué a este tipo todo le salga bien? El nombre de este nuevo proyecto ya trae (para los seguidores del buen Justino) reminiscencias de Techno Animal y si imaginan una cruza entre los momentos más opresivos de aquel grupo, algo del Godflesh más experimental (digamos de la época de “Us and them”), la corrosión extrema de GreyMachine y un claro interés por los exponentes más brutales del Dubstep de los últimos años, no estarán mal rumbeados. Otra de esas delicias agridulces a las que Don Broadrick nos tiene mal acostumbrados, que se mete de cabeza en lo mejor del año.

-Loincloth “Iron balls of steel” (2012)
¿Metal matemático? ¿Y no es Meshuggah ni nada que se le parezca? Bueno, sabiendo que aquí hay gente que militó en bandas como Confessor y los legendarios Breadwinner (si no los conocen, pregúntenle a los muchachos de Don Caballero), podemos llegar a comprender un poco mejor por dónde vienen los tiros en estas “bolas de hierro de acero” (les juro que así se traduce el título del disco). Otra referencia, sólo para entendidos, podrían ser The Fucking Champs pero (por suerte) sin esos ridículos acercamientos al Metal clásico. En fin, para amantes del virtuosismo (vale aclarar que se trata de material enteramente instrumental) puesto al servicio de la contundencia y la enfermedad es un buen bocado pero tampoco esperen grandes voladuras de peluca.

-Ministry “Relapse” (2012)
El tío Al nos viene mintiendo hace bastante con eso de que Ministry se termina y, la verdad, es que desde “Houses of the Molé” (2004) sus trabajos discográficos son, en el mejor de los casos, un jovial ejercicio de nostalgia y, en el peor (discos en vivo, remixes, discos de covers, grandes éxitos), un choreo a mano armada. “Relapse” cae en la primera categoría y se balancea entre temas energéticos pero sin imaginación, bodrios que rozan el bochorno y un simpático cover del “United forces” de S.O.D.. Qué sé yo, podría ser peor pero, si lo comparamos con cualquier disco de Ministry editado entre 1986 y 1996, éste directamente no existe.

-Pharaoh Overlord “Lunar jetman” (2012)
La criatura lisérgica del finlandés Jussi Lehtisalo no detiene su marcha cósmica. Con más de diez años sobre sus espaldas, y habiendo explorado diferentes facetas del Rock más volado (desde el Kraut al Hard Rock, pasando por el Stoner, ciertos experimentos ruidosos y hasta el Free-Jazz), Pharaoh Overlord resume, en esta décima placa, varias de sus inquietudes musicales: el minimalismo, la repetición, el riff, la distorsión, el equilibrio entre abstracción armónica y contundencia rítmica, y, desde ya, el envolvente trance psicodélico que lleva a la mente de paseo por paisajes irreales. Todo esto tocando, en algún punto, los diversos estilos antes mencionados y fundiéndolos en un todo que enmarca la identidad del grupo. Tengan a mano algunos chocolates.

-Tragedy “Darker days ahead” (2012)
Es una pena que el estilo de Crust imbuido de oscuridad melódica y épica apocalíptica que Tragedy viene perfeccionando desde 1999 (y que ya habían patentado en His Hero Is Gone, su anterior encarnación) se haya vuelto un lugar común dentro del underground extremo (por llamarlo de alguna forma. Y sí, por si no lo habían notado, el hipsterismo también afecta al Metal y al Hardcore) de los últimos años. No es nada nuevo, alguien tiene una buena idea y, luego, miles de peleles sin talento ni fuego en el alma la repiten hasta vaciarla de contenido e intensidad. Es una suerte, no obstante, que Tragedy siga en actividad (aunque se hayan tomado seis años desde el anterior “Nerve damage”) y lo haga con la ardiente vitalidad que los caracteriza, aún cuando el tipo de música que practican ya no genere el impacto de antaño (me debo estar poniendo viejo).

-Whirr “Pipe dreams” (2012)
Nick Bassett, guitarrista de los Neo-Blackemtaleros Deafheaven, se junta con otra gente para jugar a My Bloody Valentine y, la verdad, le sale más que bien. Es más, hasta se puede decir que se animan con alguna que otra idea propia, algo no muy habitual en esta suerte de revival Shoegazero de los últimos años. Mucha distorsión, muchas guitarras con muchos efectos y melodías que estallan de pura belleza etérea.

-Xasthur “Nightmares at dawn” (2012)
¿Noventa minutos de Black Metal depresivo, asfixiante y atmosférico? Hay que tener resistencia para tragárselo de un saque pero, seguramente, el mundo tenga suficientes masoquistas que sabrán apreciarlo. Para los interesados en Xasthur, mejor atenerse a la etapa que va de “Telepathic with the diseased” a “All reflections drained”. Es que...noventa minutos, te la regalo.

-Zombie Western “The great migration” (2012)
Post-Rock instrumental, bastante atmosférico (o sea, más cerca de Mogwai o Godspeed You! Black Emperor que de Slint o Tortoise) y con claros guiños soundtrackeros, en especial por el lado de los Westerns (obviamente) de Ennio Morricone. Música para imaginarse sentado en una mecedora, contemplando un eterno atardecer en un rural páramo desolado.

Review: Eve's Plum "Envy" (1993)

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 10 May 2012 20:53:00 +0000

-Eve’s Plum “Envy” (1993)
Por Fernando Suarez.

Si alguien lee las reviews que publicamos en Zann, puede llegar a pensar que quien les escribe es capaz de apreciar y tener en alta estima a cualquier forma de Rock que haya visto la luz durante la década de los noventas, sin un criterio jerárquico demasiado estricto. Y es probable que tengan razón. En fin, al menos están avisados y al tanto de mis debilidades. En el caso puntual de Eve’s Plum, el lugar común más frecuente los colocaba como una especie de versión noventosa/Grunge (entendiendo esto como “más distorsionada y energética”) de Blondie. Si bien dicha descripción tiene bastante de cierto (en especial en el tono de voz y ciertas melodías de la bella Colleen Fitzpatrick, que recuerdan inequívocamente a las de la diosa Debbie Harry) y debería ser suficiente para despertar interés (al menos en oídos con gustos afines a los míos, claro está), se queda algo corta a la hora de dar una descripción más acertada de lo que sucede a lo largo de estos irresistibles diez temas (más un track oculto) que componen la placa debut del cuarteto neoyorquino. A lo dicho, deberíamos sumar una base rítmica con groove, inventiva y pegada fuerte, que no hubiera desentonado en grupos como Pixies, Sugar e inclusive Helmet; arranques de oscura rabia que podrían sonar a una suerte de Babes In Toyland estilizadas, rastros de una introspección psicodélica y dramática no muy alejada de la influencia de Throwing Muses, y una guitarra (a cargo de Michael Kotch) llena de recursos e ideas, capaz de dibujar profundos y variados paisajes emocionales donde conviven desde los embotadores entramados de My Bloody Valentine hasta los crudos guitarrazos del Grunge en general, pasando por enrosques casi Sonicyoutheros (en su variante menos disonante, claro está) y sutiles arreglos de sabor claramente Pop. O sea, pueden ver esta enumeración como una prueba de la identidad del grupo o de la forma férrea en que se inscribían a los sonidos más arquetípicos de los noventas, ambas opciones son correctas, a su manera. En última instancia, como corresponde, el triunfo de Eve’s Plum está en el alto nivel de sus canciones, en la intensidad emocional y el calor (interno y externo, no sé si me explico...) que éstas logran transmitir con apabullante certeza.

Reviews Express

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 07 May 2012 15:03:00 +0000

Porque lo bueno, si breve, dos veces bueno. Y lo malo, si breve, se termina antes.

Por Fernando Suarez.

-Æges “The bridge” (2012)
Miembros de Pelican, Undertow, 16, Cutthroats 9 y Shift se juntan para rendir homenaje al Post-Hardcore más muscular y riffero (aunque no por eso menos melódico) de los noventas, en especial nombres como Hum, Quicksand, Failure o Handsome. El resultado final, aún sin ser demasiado original, es una buena patada en los dientes que recuerda tanto a las bandas mencionadas (con una vuelta de tuerca más actual, claro, en especial en lo que hace a la gordura del sonido en general y de las guitarras en particular) como a ciertos momentos de Torche o Helms Alee.

-All The Saints “Intro to Fractions” (2012)
Alguien alguna vez los definió como “una cruza entre Black Sabbath y My Bloody Valentine” y, la verdad, no estaba tan equivocado. Digamos que se puede agregar algo del mejor Jane’s Addiction a esa mezcla y ciertas gotas de añeja Psicodelia que no desentonarían en un grupo como The Black Angels, por poner un ejemplo. El resultado mantiene la personalidad y la inventiva, aunque tal vez pierda algo de la contundencia que mostraban en su genial debut, “Fire on corridor X”, de 2008.

-Cheap Girls “Giant orange” (2012)
Oh sí, Power-Pop noventero, ven a mí. Guitarras filosas, empuje casi Punk pero sin perder el control y unas melodías que hacen que se me caigan los calzones de pura dicha. Si cuentan a grupos como Smoking Popes, Superchunk, Buffalo Tom o Lemonheads entre sus preferencias, no pueden dejar pasar esta maravilla. Ojo, que ya es el tercer disco de estas Chicas Baratas.

-Disappears “Pre language” (2012)
Esto podría ser el sueño húmedo de cualquier hipster (y quien se crea libre de pecado que no me haga reír porque no le creo nada de nada): el oscuro nerviosismo Post-Punk de The Fall, el Pop desganado y ruidoso de The Jesus & Mary Chain, las hipnóticas repeticiones del Kraut-Rock, la Psicodelia moderna y densa de The Black Angels y el reclutamiento (a partir de este tercer disco) de Steve Shelley (ya saben, el de Sonic Youth) tras los parches. Prejuicios por doquier, claro que sí. Aún así, debo admitir que el resultado final no es nada despreciable y el cuarteto logra expresar sus intenciones con inédita contundencia e innegable creatividad. Si las referencias mencionadas son de su agrado, he aquí una excelente excusa para flirtear con el universo hipster y no sentirse (demasiado) culpable.

-Killing Joke “MMXII” (2012)
¿Qué les tengo que explicar? Es un disco nuevo de Killing Joke y eso siempre (pero SIEMPRE) está muy bien.

-Lee Ranaldo “Between the times and the tides” (2012)
Olvídense de los bodrios de Thurston Moore y su irritante vocesita desganada, el otro pilar guitarrístico de Sonic Youth se despacha con una panzada de excelentes CANCIONES (a ver si entendemos la diferencia) que pueden remitir tanto a una suerte de R.E.M. más sofisticado, como a una revisión más Popera y sesentosa de creaciones propias tales como “Wish fulfillment” o “Mote”.

-Luik “Owls” (2012)
Cuatro holandeses que inundan el aire de absoluta belleza melancólica, una suavidad evocadora y tormentosa en su calmado andar. Se lo puede llamar Slowcore, se pueden trazar comparaciones con Low o el Codeine más profundo y sosegado pero, en definitiva, estamos hablando de lo que sucede cuando el Rock más sensible es despojado de todo artificio y presentado con una desnudez minimalista que obnubila los sentidos y lleva la mente a introspectivos paseos espirituales. Para un álbum debut, es más que recomendable.

-Matt Pryor “May day” (2012)
Segunda excursión en solitario del líder (o, al menos, la cara más visible) de The Get Up Kids y The New Amsterdams. Siguiendo la línea del previo “Confidence man” (editado en 2008), aquí tenemos doce canciones acústicas de marcado tono Folk y capaces de derretir las corazas más resistentes con sus conmovedoras melodías.

-The Jealous Sound “A gentle reminder” (2012)
Tras nueve años de silencio discográfico (desde aquel delicioso debut que fuera “Kill them with kindness”), vuelve el gran seleccionado de nerds sensibles con diez nuevas piezas que rozan la perfección absoluta. Si bien las conexiones directas con bandas como Knapsack, Sunny Day Real Estate, Foo Fighters, Jawbox o Shudder To Think, entre otras, son suficiente para despertar la inmediata atención de quién les escribe, “A gentle reminder” no es un disco hecho de pergaminos, sino de grandes y emotivas canciones. ¿Unos Minus The Bear que olvidan las matemáticas Kingcrimsonianas y se concentran en la más certera sensibilidad Pop? ¿Unos Jawbox relajados, casi tiernos, y con más ensueño que disonancia en sus guitarras? ¿Unos Sunny Day Real Estate maduros, aplomados y capaces de lograr intensidad sin necesidad de exageraciones melodramáticas? Básicamente, se trata de ese Emo/Indie que tantas alegrías (por así llamarlas) nos trajo entre mediados y fines de los noventas y que, cuando está hecho con semejante clase y honestidad, sigue conmoviendo hasta remover las entrañas a fuerza de melodías tan hermosas que duelen. Ah, sí, es mi candidato a disco del año.

-Torche “Harmonicraft” (2012)
Como corresponde, Torche se sigue superando, aunque sin alejarse tanto de las premisas planteadas en su obra maestra de 2008, “Meanderthal”. Mantienen sus bases casi Melvinescas (tanto en términos de densidad guitarrística como en la complejidad que le imprimen a sus rítmicas) pero el foco está puesto con mayor intensidad en las preciosas melodías vocales de Steve Brooks, cada vez más gancheras y coloridas. Por mí, mientras mantengan este nivel compositivo, que saquen el mismo disco todos los años.

Cuco en vivo en La Plata

noreply@blogger.com (Manuel) — Wed, 25 Apr 2012 12:58:00 +0000

CUCO EN EL PASAJE!!
Este miércoles 25 de abril los Cuco estarán tocando en el auditorio del Pasaje Dardo Rocha, invitados por Músicos Platenses Organizados y junto a Sonar.
A las 20hs y gratis!
Recomendación: Llevar pañales (puestos)

Zann 100: Un pequeño entremés

noreply@blogger.com (Fernando) — Fri, 20 Apr 2012 14:20:00 +0000

Bueno, pronto estará listo el disco número 100 de Zann's Music, un compilado en el que muchos de los artistas que nos han acompañado (y todavía lo hacen) en estos cinco años nos entregan nueva música para seguir deleitando los sentidos.

Como para que vayan probando algo, aquí tenemos algunos adelantos:

-Barbarian Brothers versionando "Help" de los Beatles.

-El debut de Páramo (gurpo conformado por miembros de Joseph Merrick, The Headache Diary y The Twin Leaves), con su tema "Polvo".

-The Twin Leaves versionando "I saw the light" de Hank Williams.

-The Headache Diary versionando "Merchandise" de Fugazi.

También habrá participaciones a cargo de Asilo, Florido Pensil, Gabe Toxic, Gran Cuervo, Joseph Merrick, Lengua Mortuoria, Tzara y Cruzdiablo, entre tantos otros.

Como si esto fuera poco, aparte de la edición digital gratuita, habrá una edición física que vendrá en esta bella cajita:

Zann's en Jock Horror Radio

noreply@blogger.com (Manuel) — Mon, 16 Apr 2012 11:54:00 +0000

Este martes de 9 a 10 (de la noche, claro está) estaremos hablando giladas en Jock Horror Radio, el programa de nuestros amigos Agus y Nahuel. Pasaremos algo de musiquita de nuestro anticipado disco compilado número 100 de Zann's Music, y algún tema de Tzara. Podés escucharlo en RBD Radio. Los esperamos.

Escuchalo en RBD Radio
Grupo de facebook de Jock Horror

Si se lo perdieron, lo pueden escuchar aquí.

Review: Sobre a Máquina "Anomia" (2011)

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 09 Apr 2012 15:45:00 +0000

-Sobre a Máquina “Anomia” (2011)
Review escrita por Mariano Lastiri.

Odio aquel prejuicio generalizado que dicta que en países del tercer mundo es improbable que aparezcan propuestas arriesgadas, que busquen sacar jugo a influencias sin caer en el plagio descarado.
Ciertamente, si el primer mundo vitorea la cantidad incesante de proyectos sin nada que decir, ¿cómo no puedo interesarme por bandas de países menos aventajados, a veces más marcados por tradiciones culturales y musicales que le dan un condimento diferente al asunto?
Sobre a Máquina son brasileños y no tienen nada de Bossa Nova o de algún dejo demasiado explicito de las tierras cariocas. Aún así, con dos discos (los recomendables “Decompor” y “Areia”), se las arreglaron para traernos una hermosa y desconcertante sinfónica de narcótico regocijo.
En ese sentido, no podemos negar que los muchachos procesaron a la perfección los discos de Throbbing Gristle, Can, Einstürzende Neubauten, Godspeed You! Black Emperor, Sigur Rós, Massive Attack y My Bloody Valentine, al tiempo que exponen una gran devoción por propuestas más actuales y evocadoras como Nadja y Jesu, logrando crear canciones tan elocuentes que escapan a todos los lugares comunes posibles.
En ese aspecto, este Ep de dos temas camina por terrenos no demasiado alejados de los vistos anteriormente (siempre manteniéndose como un proyecto instrumental), viajando por las ambientaciones soñadoras de elevación cuasi Post-rockera, los viscerales collages (Blixa estaría orgulloso), los ritmos y sonoridades digitales, y una profunda sensibilidad a la hora de entregarnos un material tan conmovedor como atrapante, perfecto para un documental imaginario que reflejase nuestros impulsos más íntimos. Un interesante aperitivo para arrastrarnos a un mundo lleno de incertidumbre y belleza, como no muy seguido nos encontramos.

Randolph Carter - Maxwellian

noreply@blogger.com (Manuel) — Mon, 09 Apr 2012 01:34:00 +0000

Maxwellian es un humilde homenaje a Nikola Tesla de parte de quien les escribe.
También es un disco que, nacido de la frustración, resultó ser bastante positivo y estimulante.
También podríamos decir que fue inspirado luego de muchas escuchas a Scorn, Kid606, Datach'i, Xanopticon, Submerged y Techno Animal.
También es un gusto que me quería dar desde hace un tiempo, el poder colaborar con Mariano Zeta de Hongo.
También es un disco más de glitch/dubstep/jungle/noise/ambient que probablemente quede en la nada.

Bajátelo acá.

Frank Boston y Farrokh Bulsara haciendo macanas en La Plata

noreply@blogger.com (Manuel) — Thu, 05 Apr 2012 23:09:00 +0000

Review: Ostende "Ciudades de mimbre" (2012)

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 05 Apr 2012 20:03:00 +0000

-Ostende “Ciudades de mimbre” (2012)
Review escrita por Mariano Lastiri.

Deserción. El abandono de una causa. El triste partir de un proyecto. El sueño de un amigo resquebrajado. La sonrisa interrumpida ante la necesidad. La risotada con final abrupto. El cambio que nos lleva a otro polo. Los andamios que nos estancan a otro mundo. El fuego que cambia su tonalidad. El llanto que cesó para volverse silencio y todas las respuestas que se acaban momentáneamente ante un gemido de hastío.
Esto podría decirse de la salida de Federico Manca (ex Voightkampff) de la banda de provincia de Buenos Aires.
Si aquel “Trayecto del mapache” hacía hincapié en las variantes dentro de un genero tan bellamente visceral y cáustico como es el Screamo de popes como Orchid y Loma Prieta, “Ciudades de mimbre” pareciera acercar la propuesta a grupos como In-Humanity o Ampere (Emoviolence le dicen. Cada uno con su tema).
En ese sentido, la banda decidió sacrificar matices y medios tiempos en pos de generar composiciones de un impulso más directo y una energía avasallante.
Claro, esto no deja de ser material realmente interesante y a prueba de fallas, siempre manteniendo la tensión. Once temas en menos de diez minutos. O la síntesis necesaria de la vida de un grupo de jóvenes desalmados. No hay tiempo que perder (?).

Review: Napalm Death "Utilitarian" (2012)

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 05 Apr 2012 19:56:00 +0000

-Napalm Death “Utilitarian” (2012)
Review escrita por Mariano Lastiri.

Napalm Death no es sólo sinónimo de Grindcore, es también de una banda totalmente dispuesta a los cambios. Afortunadamente, aquel legado que marcaron a fuego veinticinco años atrás con “Scum” y sus oscuras proclamas enemigas del implacable hambre y codicia de los empresarios más sanguinolentos y de los gobernantes más corruptos, sigue tan fuerte que asusta hasta los muertos.
“Utilitarian”, en ese sentido, no sólo es el sucesor del recomendable “Time Waits for no Slave”, sino también un disco que, en cierto modo, se pasea por todas las facetas que los británicos nos entregaron a través de los años.
Claro, a todas luces la efervescencia Industrial tan bien adaptada en joyas como “Fear, Emptiness, Despair”, “Inside The Torn Apart” o el muchas veces incomprendido “Diatribes” no está tan presente como en su antecesor. Aún así el hoy cuarteto no pierde su identidad ni la energía a pesar del tiempo.
Sino, deléitense con la furia de “Errors in the signals”, “Production Racket” o “Quarantined”, caigan en el oscuro y violento mar de agitación KillingJokera de “The wolf i feed” (con momentos con voces limpias que recuerdan a Burton C. Bell), “Orders of magnitude” y “Leper Colony”, o enloquezcan ante “Everyday Pox”, donde el buen John Zorn presta su saxo al servicio de la más insana y caótica experiencia.
De todos modos, admitámoslo, “Utilitarian” no es un disco novedoso dentro de la prolífica carrera de la banda de Birminghan. Pero, por supuesto, eso no importa. Dejémonos caer en ese baño de mierda radioactiva y lancémonos al mosh más descontrolado. Con gente como Shane Embury, Barney Greenway, Mitch Harris y Danny Herrera, tenemos una experiencia tan cruda, como caminar a las dos de la mañana por pleno Dock Sud. Están avisados.

Review: Cloud Nothings "Attack on memory" (2012)

noreply@blogger.com (Fernando) — Thu, 05 Apr 2012 19:41:00 +0000

-Cloud Nothings “Attack On Memory” (2012)
Review escrita por Mariano Lastiri.

Como todo buen melómano, estoy siempre tomando aquellos detalles que me garantizan que algún disco sea inolvidable o, al menos, me haga pasar un rato agradable.
Veo la lista de músicos, la tapa, el estilo y los vídeos. Pero, ciertamente, no es demasiado común para mí ir directo a un personaje muchas veces ignorado como lo es el ingeniero de sonido.
Steve Albini es uno de esos casos tan resonantes que me generan una atracción inmediata. Claro, no se trata de su legado necesariamente (a esta altura no tendría que hacer mención a ninguna banda en particular), sino el poder con que hace sonar a todo lo que toca.
¿Por qué tanta importancia a esto entonces? Porque el alguna vez llamado “Hombre más enojado del Punk” logró hacerle un lavado de cara a innumerable cantidad de bandas, incluyendo a estos residentes de Cleveland.
Sus anteriores dos discos enmarcaban a Cloud Nothings como otro grupo de efervescencia Power-Pop y melancolía entre el Indie de baja fidelidad de los noventas y el Grunge (Pavement, Guided by Voices y Dinosaur Jr, sobre todo).
“Attack On Memory”, tercer disco del cuarteto, pareciera acercarlos a caminos más introspectivos y oscuros, sin perder el costado más agridulce de sus anteriores placas, pero dándole nuevos condimentos al asunto.
En ese sentido, se sienten aproximaciones tanto a la sensibilidad del Emocore y el Post-Hardcore, como a climas y una crudeza que no se extrañaría en discos como “Surfer Rosa” o “In Utero”.
Es para destacar, en ese aspecto, a temas como “Wasted Days”, donde caminan a pasos mucho más psicodélicos y ruidosos o aquel oscuro instrumental llamado “Separation”.
Sin duda, Cloud Nothings nos entrega un disco hermoso, que nos dará el gusto de volver a desempolvar nuestras camisas a cuadro compradas en alguna feria americana, sacar nuestros viejos discos de Johnny Cash y recordar con una lágrima aquellos periodos de enajenación noventera, que seguimos extrañando pero no olvidaremos jamás.

Gran Cuervo, Miasma y Cuco en vivo en La Plata

noreply@blogger.com (Manuel) — Wed, 04 Apr 2012 00:15:00 +0000

Review: Engine Kid "Angel wings" (1994)

noreply@blogger.com (Fernando) — Fri, 30 Mar 2012 17:08:00 +0000

-Engine Kid “Angel wings” (1994)
Que Greg Anderson posee en su interior el atronador poder del RIFF es algo que ningún seguidor del Metal extremo de los últimos diez años debería ignorar. Su trabajo en grupos como Thorr’s Hammer, Goatsnake, Sunn 0))), Teeth Of Lion Rule The Divine o Ascend (entre tantos otros proyectos) lo certifica como un gran aprendiz de Tony Iommi y Dylan Carlson que, no obstante, es capaz de redescubrir virtudes e inesperadas profundidades en dichas enseñanzas. Como tal, es interesante viajar un poco (bastante, hablamos de fines de los ochentas) hacia atrás en el tiempo y descubrir a un joven Anderson serruchando acelerados riffs de pocas notas como marco para las frenéticas proclamas Straight Edge de los Hardcoreros Brotherhood, un nombre que suple su falta de sutileza con contundencia y honestidad abrumadoras. Resulta casi esperable, entonces (y siguiendo una suerte de progresión orgánica experimentada por más de un pope del Hardcore), que su segundo paso musical (conocido como Galleon’s Lap) estuviera alineado con la emoción primal y las melodías quebradas de grupos como Rites Of Spring, Current o The Hated, lo que se conoce, en ciertos círculos selectos, como la “primera Ola de Emo”. Así, llegamos a los noventas, donde esas iniciáticas armas se pulen hasta extremos insospechados para comenzar a exponer visiones artísticas mucho más dinámicas, intrincadas y pictóricas (por así llamarlas), sin por ello resignar el ímpetu visceral y la entrega descarnada absorbida en aquellos primeros años de desenfreno musical. Engine Kid fue el nombre elegido por el trío, y estaremos de acuerdo en que las primeras comparaciones hechas con los monumentales Slint (reforzadas por el hecho de que su álbum debut, “Bear catching fish”, fue grabado por el mismísimo Steve Albini) no eran gratuitas. En efecto, el manual de recorridos serpenteantes, guitarras voladoras y rasposas al mismo tiempo, atmósferas desasosegadas y magistrales subidas y bajadas de intensidad del legendario cuarteto oriundo de Chicago hizo fuerte mecha en el espíritu del grupo que, de todas formas, usó esas guías como referencia para llegar a la innegable identidad y el envolvente poderío emocional de este final “Angels wings”. No se trata sólo de la incorporación de nuevos actores (saxofón, trompeta, contrabajo, gaita) que enriquezcan el, ya de por así, cargado entramado sonoro del trío. Tampoco de lo anecdótico (o no tanto) del genial cover de “Olé”, de John Coltrane, que cierra la placa. Se trata de la forma en que estas canciones nos atrapan en sus zigzagueantes descargas emotivas, de las certeras visiones de desgarro surrealista que generan estos riffs (que parecen haber sumado bastante de la oscuridad Sabbathera y el hipnótico minimalismo que luego ocupara gran parte de la carrera de Anderson, así como de las disonancias cósmicas del mejor Voivod), del sufrimiento palpable (casi físico) que transmite la desesperada voz del mismo Anderson (aún en sus pasajes más melódicos, que también los hay), del clima general y espeso de pesadumbre que se respira aún sin necesidad de caer en manerismos exagerados o histrionismos que no se deciden entre la “cooleza” irónica y el supuesto extremismo. Lo que quiero decir, en última instancia, es que la música de Engine Kid vale por peso propio, antes que como un mero chequeo informativo del curriculum previo de un músico de culto, sea lo qué sea que eso signifique.

Review: Nada Surf "The Stars Are Indifferent to Astronomy" (2012)

noreply@blogger.com (Fernando) — Wed, 28 Mar 2012 15:43:00 +0000

-Nada Surf “The Stars Are Indifferent to Astronomy” (2012)
Las estrellas son indiferentes hacia la astronomía, de la misma forma que las canciones de Nada Surf son indiferentes hacia cualquier intento de estudiarlas y compartimentarlas en rígidos conceptos académicos o casilleros de (dios me libre) enciclopedia rockera. Porque, lo cierto es que ninguna partitura, ninguna elaborada teoría, ni siquiera este pobre intento de review puede explicar y describir cabalmente el candor que estas melodías le aportan al corazón. Estas canciones, así como todas las grandes canciones en la historia de las canciones, están hechas para ser disfrutadas (sí, no todo se trata de opresión, violencia y dientes apretados en la vida. De hecho, centrarse sólo en esos aspectos resulta tan escapista y vacuo como su opuesto extremo), para recibirlas sin prejuicios y dejar que sus caricias, de tan bellas, nos causen tanto placer como dolor. Después podemos departir sobre estilos musicales (¿Indie?, ¿Power-Pop?, ¿simplemente Pop?), influencias (Teenage Fanclub parece reemplazar ahora al Weezer que dominaba sus primeras entregas discográficas pero, en definitiva, seguimos hablando de tradición Beatlesca atravesada por el prisma de los noventas y de una banda que se ha ganado su propia identidad a fuerza de trabajar su artesanía cancionera con alma y buen gusto) y detalles accesorios (interpretaciones sólidas y ubicadas, ausencia de excesos innecesarios, musicalidad pulcra y sensible al mismo tiempo) pero nada va a pesar tanto como el cosquilleo en la panza, el leve temblor detrás de los ojos, el calor reconfortante en el pecho o la refrescante luminosidad que se van alternando al desgranar estas diez piezas de hermosa sencillez y elegancia melódica sin acartonamientos ni falsas pretensiones.

Festival Salgan al Sol! Vol. 2

noreply@blogger.com (Manuel) — Tue, 27 Mar 2012 20:05:00 +0000

Andá a Caracol Rojo o a Música Desmembrada para mas info y de paso, ¡bajate todo!

Review: Unsane "Wreck" (2012)

noreply@blogger.com (Fernando) — Tue, 27 Mar 2012 18:39:00 +0000

-Unsane “Wreck” (2012)
¿Tiene sentido, a esta altura, escribir otra review sobre Unsane? Bueno, seguramente sería sólo para despuntar el vicio pero de eso, justamente, se trata un grupo como el liderado por Chris Spencer. Estos neoyorquinos bien podrían ser considerados los Ramones o los Motörhead del Noise-Rock: uno ya sabe qué esperar de sus discos, no hay sorpresas ni sobresaltos y el nivel mínimo de efectividad (al menos, para los masoquistas que gozamos con semejante tortura auditiva) está asegurado. “Wreck”, séptima placa del trío (sin contar compilados, discos en vivo y etcéteras), no es la excepción. Diez nuevos mazazos sónicos que pintan con perturbadora exactitud los aspectos más sórdidos de su ciudad natal, bases repetitivas y asfixiantes, un bajo en perpetuo estado de pudrición, una guitarra (la Telecaster más lacerante del condado) que aúlla y corroe los sentidos a pura disonancia, una voz que se ahoga desesperada a grito pelado desde las más malolientes cloacas del East Village neoyorquino, un arte de tapa con mucha sangre, un cover de Flipper (claros referentes de este tipo de enfermedad anti-musical) y ya tenemos todo lo necesario para disfrutar de un buen disco de Unsane. En fin, puede que escribir esto tenga tan poco sentido como quejarse de que todos los discos de Unsane suenan iguales o de que se manejen siempre (bueno, aquí la anomalía sería esa suerte de balada Unsaneada que es “Stuck”) dentro de esquemas compositivos y sonoros bastante rígidos y limitados. Lo más práctico sería que pasen de largo este comentario y, simplemente, se sumerjan en otro festival de la incomodidad entregado por una de las bandas que más sabe del tema.

Review: Creation Is Crucifixion "In Silico" (1998)

noreply@blogger.com (Fernando) — Tue, 27 Mar 2012 18:34:00 +0000

-Creation Is Crucifixion “In silico” (1998)

En 1998 se estrenaba “Pi”, primer film del director norteamericano Darren Aronofsky. En dicho film, la trama se centraba en Max Cohen, un matemático ermitaño, paranoico y con desórdenes mentales bastante serios, el cual pasaba su vida buscando el modelo matemático perfecto para hacer predicciones en la bolsa de comercio.
Producto de estas investigaciones (y de ciertas influencias de tipo religiosas), se encuentra con algo aún mayor: la idea de descubrir una formula matemática que podría lograr responder a todas las cuestiones universales, tanto del plano físico como del metafísico.
En 1998 se edita “In Silico”, disco debut de Creation Is Crucifixion. Ahora bien, ¿cuál es la relación entre estos cinco nerds y el film de Aronofsky?
Es bastante probable que el director neoyorquino jamás haya escuchado a Human Remains, Discordance Axis, Today Is The Day y Man Is The Bastard (o Bastard Noise en este caso, para ser más precisos), sin embargo su debut cinematográfico coincide con el disco que nos ocupa en eso de generar una atmósfera sumamente opresiva detrás de un aura tan esotérica, extrema y revulsiva como compleja en su construcción.
Por otro lado, nos quedaríamos cortos si esas fueran las únicas referencias para hablar de la banda de Pensilvania.
“In Silico” transmite, a través de sus diecinueve temas (muchos de ellos cortinas de Noise/Ambient), un clima caótico, intrincado y asfixiante, a todas luces mamando, por un lado, del Hardcore metalizado de aquellos años (sobre todo de bandas como Starkweather o los primeros Converge, cuando todavía el término Mathcore no se ponía de moda) pero agregando a la ecuación el costado más técnico del Death Metal, la violencia y los blast beats del Grindcore y aquellas suculentas disonancias hoy tan en boga.
Un entendido de la casa dijo alguna vez que sonaban como “un Zao villero en pleno desahucio” y, sin duda (y lejos de acercarse a tierras santas), Creation Is Crucifixion desvalijaría todo, lo quemaría y, para el placer de los comelibros extremos del mundo, lo volvería parte de un manifiesto mayor.
“In Silico”, el renacer de los cuerpos en plena combustión o uno de los últimos y (lamentablemente) más ignorados capítulos dentro del panorama de cáustica violencia de los noventas. Ustedes entenderán.

Review escrita por Mariano Lastiri.

Review: La Gran Pérdida de Energía "La gran pérdida de energía" (2011)

noreply@blogger.com (Fernando) — Mon, 26 Mar 2012 16:37:00 +0000

-La Gran Pérdida de Energía “La gran pérdida de energía” (2011)
No es por reivindicar nada ni para plantear aburridas discusiones sobre la originalidad en el Rock, pero todos sabemos que, al menos en escogidas oportunidades, los clichés son tales porque funcionan. Los de antaño y también los más recientes. La Gran Pérdida de Energía es un cuarteto oriundo de Villa La Angostura y practica lo que se conoce como Post-Rock, con todo lo que ello implica. Desde el nombre del grupo hasta su formación instrumental (con excepción de algún que otro breve pasaje cantado), pasando por las guitarras empapadas de delay y efectos varios, los climas de melancólica ensoñación psicodélica, las dinámicas cargadas de un dramatismo a la vez épico e íntimo, la delicada interacción de los instrumentos (por momentos bordeando las líneas estilizadas del Rock Progresivo más sutil y menos estridente) y los infaltables punteos (esos que hacen tiriririririririi) que se elevan hacia el firmamento como aves recortadas sobre un telón urbano, todo aquí apunta a rescatar las enseñanzas de popes como Mogwai, Godspeed! You Black Emperor, Leech, Mono o Explosions In The Sky, sin perder de vista ciertos trazos que pueden remitir al King Crimson más relajado de principios de los ochentas e inclusive a los paisajes más glaciales y pensativos del viejo The Cure. O sea, más allá de la clara voluntad exploradora del grupo (evidenciada en composiciones que plantean recorridos narrativos sinuosos antes que estructuras de canción tradicional), los seguidores del género no encontrarán aquí grandes sorpresas o timonazos inesperados. Pero sí encontrarán un trabajo realizado con gran nivel (tanto en el aspecto compositivo como en la interpretación y el impecable sonido), capaz de evocar imágenes y sensaciones con una intensidad que poco tiene que envidiarle a sus predecesores y pletórico de una musicalidad elaborada y sensible. Fans de las bandas mencionadas y de la música para viajar (en cualquiera de sus formas), no lo pueden dejar pasar. Pueden bajar este disco al precio que ustedes prefieran en http://lagranperdidadeenergia.bandcamp.com/